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Creado por Eadweard Muybridge,consistía en la proyección de imágenes secuenciales que se encontraban en un disco de
cristal. -
Entre los pioneros se encuentran los alemanes Max y Emil Skladanowski, los estadounidenses Charles F. Jenkins, Thomas Armat y Thomas Alva Edison, y los franceses hermanos Lumière.
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Patentado por Edison
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Patentado por Edison
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Se patento y ese mismo año los Lumière rodaron su primera película
la sortie des ouvriers -
Con ''La llegada de los congresistas''
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en París
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Con ''La demolición de un muro''
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Utilizan en sus películas diversos recursos (puntos de vista, panorámicas, sobreimpresiones, etc.) para organizar la historia.
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técnicas como el truco de parar o salto de manivela, las exposiciones múltiples, la cámara rápida, las disoluciones de imágenes y la película en colores, fue pionero en el uso de guiones gráficos. Considerado el pionero del cine de ficción.
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Esta fase la cierra Edwin S. Porter cuando en Salvamento en un incendio (1902) va más allá de la estructura lineal que plantea todo el mundo, intercalando situaciones que atraen de manera especial la atención del espectador —insertos-; es decir, intercala una serie de planos en los que destaca ciertos detalles del ambiente, de la acción de los personajes y con los que se pasa de un espacio a otro sin ningún tipo de explicación
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Director, técnico de iluminación y de fotografía,
especialista en trucajes y revelado, pionero del cine fantástico y
del cine de animación -
En 1912 creó el que seguramente sea el primer personaje de la historia del cine de animación, Baby Snookum.
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inicio sus películas con los géneros: historias de hadas, películas fantásticas, románticas, comedias, temas religiosos,mitológicos, películas que eran cuadros que cobraban vida, para todos los gustos del público.
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Las adaptaciones de obras de Victor Hugo y Emile Zola sirvieron de garantía para diversas producciones francesas.
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El italiano Riccioto Canudo escribiera en 1911 su "Manifiesto de las Siete Artes" en el que señalaba al cine como el Séptimo Arte, y en el que pedía que los empresarios del cine asumieran un mayor compromiso artístico
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Quo Vadis? (1913), de Enrico Guazzoni, superó las dos horas de proyección. Cabiria (1914), de Giovanni Pastore. Fue el momento en el que : cambiaron la cámara de lugar, buscaron nuevos ángulos desde los que contar la historia al tiempo que se mantiene la continuidad de acción —en la que también han de ser funcionales los rótulos que se intercalan para recoger el diálogo de los actores-; es el momento en el que se construye una situación a partir del plano-contraplano.
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El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). A partir de estos años, directores como Cecil B. De Mille (Juana de Arco, 1916), Charles Chaplin (El imigrante, 1917 ; Armas al hombro, 1918), Louis Feuillade (director de varios seriales) y otros muchos, van profundizando en el lenguaje cinematográfico, dando cuerpo a una gramática de recursos expresivos que el espectador asumirá y llegará a conocer con mucho detalle.
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hizo famoso su personaje de "Charlot" gracias a la caracterización que se convertiría con el tiempo en uno de los iconos más recordados. Si ya fueron importantes películas como El vagabundo (1915), El inmigrante (1917) y Armas al hombro (1918), desarrolló sus fundamentales argumentos temáticos —sobre la base de un tono tragicómico- en El chico (1921) y La quimera del oro (1925).
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Dio paso a numerosas e importantes aportaciones teóricas que se concretaron en los trabajos de Dziga Vertov —sobre todo el "cine ojo": objetividad de la cámara-, de Lev Kulechov —en su laboratorio experimental desarrolló la teoría del montaje- y el grupo de la Fábrica del Actor Excéntrico (FEKS), dirigido por Gregori Kozintev, Leoni Trauberg y Sergei Yukevitch, totalmente opuestos a la objetividad de Vertov.
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(La carreta fantasma, 1920) y (La expiación de Gösta Berling, 1923), directores que marcharán a trabajar a Hollywood durante esta década, y en la del danés Carl Theodor Dreyer, que firmará una de las películas más importantes de estos años: La pasión de Juana de Arco (1928).
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Busca encontrar una cierta estabilidad industrial y aprovecha ciertos temas populares para consolidar su producción; La verbena de la Paloma (1920), de José Buchs, La casa de la Troya (1924), de A. Pérez Lugín y Manuel Noriega, y las películas de Benito Perojo y Florián Rey, entre otros.
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Empresas y Estudios cinematográficos, que en buena parte serán arrasados en el terremoto de 1923. La industria no se desalienta ante esta catástrofe, e inmediatamente recompone su infraestructura, continuando con una producción tan intensa que llegó a superar los 700 filmes al año en el segundo lustro de los años veinte.
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Habla de las posibilidades creativas de la cámara y otros recursos expresivos) y desarrollando nuevas fórmulas narrativas que se anticipan en el tiempo al cine espectáculo
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Entre los emigrantes más reconocidos de esta época se encontraron los austríacos Erich von Stroheim, muy agudo a la hora de abordar temas sociales con ironía y realismo (Esposas frívolas, 1921; El carrusel de la vida, 1922; Avaricia, 1923), y Joseph von Sternberg, quien puso los cimientos de un género típico americano -el cine de gangsters (cine negro)- con la película La ley del hampa (1927).
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impulsado por Allan Dwan (Robin Hood, 1922; La máscara de hierro, 1929)
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Abordan películas de diversa consideración a partir de proyectos dirigidos por Ernst Lubitsch, Friedrich W. Murnau ( Nosferatu el vampiro, 1922; Fausto, 1926), Fritz Lang (Las tres luces, 1921; Metrópolis, 1926) y George W. Pabst (La calle sin alegría, 1925), a caballo del cine comercial, de gran espectáculo, y el más intimista, sustentado por el expresionismo y la puesta en escena impulsada por el Kammerspielfilm, y las aportaciones realistas y melodramáticas de la Nueva Objetividad.
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se caracterizó por un rostro inexpresivo (lo que provocó que se le llamara "cara de palo") y el tener que enfrentarse estoicamente a un mundo que se rebelaba a cada instante ante lo que hiciese. Lo mejor de su trabajo se encuentra en La ley de la hospitalidad (1923), La siete ocasiones (1925), El maquinista de la General (1927) , El cameraman (1928).
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por Lon Chaney (El jorobado de Nuestra Señora, 1923, de Wallace Worsley; el fantasma de la ópera, 1925, de Rupert Julien), las de los galanes romanticos John Gilbert (Sota, caballo y rey, 1923, de John Ford; Su hora, 1924, de King Vidor), Ramón Novarro (Ben-Hur, 1925, de Fred Nilo ; El príncipe estudiante, 1927, de Ernst Lubitsch) y Rodolfo Valentino (Los cuatro jinetes del Apocalipsis, 1921, de Rex Ingram; Sangre y arena, 1922, de Fred Niblo; El águila negra, 1925, de Clarence Brown)
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con singulares aportaciones de John Ford (El caballo de hierro, 1924; Tres hombres malos, 1926)
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Sergei M. Eisenstein, director que supo aprovechar y enriquecerse con las aportaciones de directores de todo el mundo (La huelga, 1924 ; El acorazado Potemkin, 1925; Octubre, 1927). A su sombra se movieron con desigual fortuna Vsevolod Pudovkin y Aleksandr Dovjenko.
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alcanzó su mayor gloria con el desarrollo de "gags" y situaciones muy divertidas en películas como El estudiante novato (1925), El hombre mosca (1926) y Relámpago (1928)
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King Vidor (El gran desfile, 1925; Y el mundo marcha, 1928)y William A. Wellman (Alas, 1927)
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El séptimo cielo (1927), de Frank Borzage, La muchacha de Londres (1929) , de Alfred Hitchcock, M, el vampiro de Dusseldorf (1931), de Fritz Lang, y la española El misterio de la Puerta del Sol (1928), de Francisco Elías, entre otras. Sobre la vivencias de los actores y los problemas económicos y técnicos vividos en los grandes Estudios estadounidenses durante los rodajes de las primeras películas sonoras, debe recordarse Cantando bajo la lluvia (1952), de Stanley Donen.
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El primer intento parcial se aprecia en Don Juan (1926), y el segundo y más importante, en El cantor de jazz (1927), ambas dirigidas por Alan Crosland. Este nuevo paso tecnológico va a influir de manera determinante en la industria, en los profesionales que en ella trabajan, en los planteamientos estéticos de las historias, obligando a una reestructuración industrial que afectará, inevitablemente, a la comercialización de las películas en todo el mundo.
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película que ofrece diversas innovaciones técnicas, entre otras la pantalla múltiple, anticipo del sistema Cinerama .
Son años dominados también por el futurismo (Fernand Léger o Many Ray) y el surrealismo de Germaine Dulac, Luis Buñuel y Salvador Dalí. -
Frank Borzage (El séptimo cielo, 1927), entre otros muchos.
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El cantante de jazz + nuevo género, el musical.
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El alemán Ernst Lubitsch da sus primeros pasos hacia un cine mordaz e irónico que consolidará tras la implantación del cine sonoro. El sueco Victor Sjöström dejará su buen hacer en El viento (1928) y el francés Jacques Feyder aprovechará la presencia de Greta Garbo para rodar con la Metro Goldwyn Mayer El beso (1929).
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En la producción de las primeras películas habladas en español, Hollywood contratara a numerosos profesionales (Ramón Novarro, Lupe Vélez, Dolores del Río, Antonio Moreno, José Mojica, Carlos Gardel, entre otros) con el fin de que realizaran e interpretaran las versiones destinadas a dichos países. Esto no impidió que entre 1929 y 1931 se produjeran las primeras películas sonoras en México, Brasil o Argentina.
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Límite (1929), de Mário Peixoto, sugerente y marcada por las vanguardias europeas de los veinte. Ganga bruta (1933), de Humberto Mauro, y O Cangaçeiro (1953), de Lima Barreto, referentes ineludibles para los jóvenes de los sesenta, que tendrán en Glauber Rocha al máximo exponente internacional. Durante varias décadas será Nelson Pereira dos Santos quien dirija algunos de las historias socialmente más interesantes (Río, quarenta graus, 1955; Vidas secas, 1963).
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supo desarrollar hábilmente géneros como el cine negro y el cine de aventuras. En el primero Mervin LeRoy dirigió Hampa dorada, (1930), con Edward G. Robinson, y Soy un fugitivo (1932), con Paul Muni; en el cine de aventuras destacan las aportaciones de Michael Curtiz, : La carga de la brigada ligera (1936) y Robín de los bosques (1938), ambas con Errol Flynn y Olivia de Havilland. Y en el campo musical por Busby Berkeley.
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Joseph von Sternberg (El ángel azul,1930, con una excepcional papel de Marlene Dietrich) y Fritz Lang (M. El vampiro de Dusseldorf, 1931, de Peter Lorre), antes de que estos directores se incorporaran al cine estadounidense. Con un deseo de superar viejos traumas y, sobre todo, volver la mirada a la sociedad, surge el neorrealismo impulsado por una generación que, aunque escasa de recursos, supo ofrecer algunas de las historias más brillantes del cine en la inmediata postguerra.
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El gran impulsor del cine de los treinta fue Alexander Korda, director y productor que consiguió uno de sus grandes películas en La vida privada de Enrique VIII (1933). Son los años en los que Alfred Hitchcock demuestra que sabe contar historias (treinta y nueve escalones, 1935; Alarma en el expreso, 1938) y Anthony Asquit alcanza su madurez con Pigmalion (1938). No obstante, los treinta confirman que los británicos son unos maestros del documental.
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Teinosuke Kinugasa, Kenji Mizoguchi, Yasujiro Ozu y Heinosuke Gosho, dirigieron las primeras películas totalmente sonoras (hasta 1937 todavía se produjeron películas mudas). La industria japonesa, sin embargo, dependerá durante unos años del equipamiento y película virgen llegados del exterior.
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Max Steiner (1888-1971: King Kong (1933)/ Lo que el viento se llevó (1939)/ Casablanca (1942).Erich Wolfgang Korngold:(1897-1957): Estilo basado en el sinfonismo postromántico. Las aventuras de Robin Hood (1938Miklós Rózsa (1907-1995): Quo vadis/ Ben-Hur.Dimitri Tiomkin (1894-1979): Duelo al sol/ Sólo ante el peligro.Alfred Newman (1900-1970): La tentación vive arriba/ Eva al desnudo.Bernard Herrmann
(1911-1975): Ciudadano Kane/ La guerra de los mundos. -
se especializó en cine de terror con inolvidables películas que han marcado a buena parte del cine posterior de género. James Whale fue el responsable de Frankenstein (1931) y El hombre invisible (1933), entre otras. Tod Browning dirigió Drácula (1931), con un inimitable Bela Lugosi, y una sorprendente e inigualable La parada de los monstruos (1932).
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Dada la situación política europea, en la línea de La corona de hierro , de Blasetti, y en la comedia intrascendente (llamada de "teléfonos blancos") de Mario Camerini (¡Qué sinvergüenzas son los hombres, 1932). No obstante, en la inmediata postguerra cobrará fuerza un movimiento neorrealista centrado en temas sencillos, extraídos de la vida cotidiana y plasmados con gran realismo y un tono visual próximo al documental.
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se mueve en el realismo que se ofrece desde la tradición y los ambientes populares de René Clair (Catorce de julio, 1932) y Jean Renoir (Toni, 1934; Los bajos fondos, 1936; La regla del juego, 1939) y el drama que, con ciertas dosis de fatalismo, recrean Julien Duvivier (Pepe-le-Moko, 1937) y Marcel Carné (El muelle de las brumas, 1938), ambas películas interpretadas por el gran actor Jean Gabin. L
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apoyó los grandes filmes históricos de Cecil B. De Mille como El signo de la cruz (1932) y Cleopatra (1934), la comedia sofisticada y de Ernst Lubitsch (Un ladrón en mi alcoba, 1932; La viuda alegre, 1934) o el cine de gangsters y de terror dirigidos por Rouben Mamoulian (Las calles de la ciudad, 1931; El hombre y el moustruo. Dr. Jekyll y Mr. Hyde, 1932) . Sus películas musicales fueron historias en las que diversos actores cantaban unas canciones (Mae West, Bing Crosby, etc.).
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produjo los musicales de la pareja de baile más famosa del cine: Fred Astaire y Ginger Rogers, especialmente con La alegre divorciada (1934) y Sombrero de copa (1935). La Columbia se centró en una producción más familiar, destacando las comedias de Frank Capra en la línea de Sucedió una noche (1934), con Claudette Colbert y Clark Gable, El secreto de vivir (1936), con Gary Cooper y Jean Arthur, y Vive como quieras (1938), con Jean Arthur emparejada en esta ocasión con James Stewart.
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se hizo con el estrellato cinematográfico gracias a los temas románticos dirigidos por Clarence Brown e interpretados por Greta Garbo (Ana Karenina, 1935), las más diversas historias firmadas por Victor Fleming (La indómita, 1935; Capitanes intrépidos, 1937), en especial dos películas que marcaron una época de esplendor: Lo que el viento se llevó (1939), con Clark Gable y Vivien Leigh, y El mago de Oz (1939), con una jovencísima Judy Garland.
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dirigidos por Sam Wood en sorprendentes películas como Una noche en la ópera (1935) y Un día en las carreras (1937). La producción musical del Estudio quiso ser una proyección de los espectáculos de Broadway, tanto operetas (con Jeannette MacDonald) como historias con mucho baile (con Eleanor Powell).
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la producción de John Arthur Rank, con películas de prestigio como Enrique V (1945) , dirigida e interpretada por Laurence Olivier y Breve encuentro (1945), de David Lean. Fueron años, los cuarenta, en los que el maestro Carol Reed dirige películas como Larga es la noche (1947) y El tercer hombre (1949), y los Estudios Ealing desarrollan una gran e interesante producción en el campo de la comedia social con gran ironía (Pasaporte para Pimlico, 1949; Ocho sentencias de muerte, 1949).
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La década de los cuarenta se inicia con una auténtica bomba creativa: la película Ciudadano Kane (1940), dirigida por un recién llegado llamado Orson Welles, que rompió muchos esquemas desde el punto de vista visual y narrativo, y en la que tuvo un gran protagonismo el director de fotografía Gregg Toland.
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Durante la década de los cuarenta es el cine mexicano el que alcanza una mayor notoriedad internacional gracias a las películas de Emilio Fernández "El Indio" (y la colaboración en la fotografía de Gabriel Figueroa) y la presencia de notorias estrellas como Dolores del Río y Pedro Armendáriz (Flor silvestre y María Candelaria, 1943), y María Félix (Enamorada,1946; Río escondido, 1948).
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Juan Quintero, Locura de amor, Eloisa está debajo de un almendro
Manuel Parada, Los últimos de Filipinas (1945) -
El halcón maltés (1941), de John Huston, con Humphrey Bogart; Casablanca (1942), de Michael Curtiz, : Ingrid Bergman y Bogart; Laura (1944), de Otto Preminger, con Gene Tierney y Dana Andrews; y Gilda (1946), de Charles Vidor, con Rita Hayworth y Glenn Ford. Fueron años de gran variedad temáticas. Charles Chaplin (El gran dictador, 1940), de John Ford (Las uvas de la ira, 1940), de William Wyler (La carta, 1940) y de George Cukor (La costilla de Adán, 1949, ).
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Se sostiene con dificultad sobre las películas de Lucas Demare (La guerra gaucha, 1942), Luis Cesar Amadori (Santa Cándida, 1945), Hugo Fregonese (Donde las palabras mueren, 1946) y actrices como Libertad Lamarque, sin olvidar la extensa filmografía de Leopoldo Torres Ríos (Adiós Buenos Aires, 1937; 1942; el crimen de Oribe, 1950) y la aportación de su hijo Leopoldo Torre-Nilsson (La casa del ángel, 1956; Los siete locos, 1973).
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alcanza unos de sus grandes momentos con Iván el Terrible (1945), de Sergei M. Eisenstein, mientras que la presión política que se ejerce sobre los creadores obligará a realizar otras muchas películas que pretenden ensalzar la figura de Stalin, un culto a la personalidad que dará origen a un retroceso en la producción cinematográfica
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Western se revisan sus planteamientos en películas como Flecha rota (1950), de Delmer Daves en la que el indio ya deja de ser el malo de la película-. El cine negro con La jungla de asfalto (1950), de Huston. El musical(Un americano en París, 1951; Cantando bajo la lluvia, 1952). Se produce mucha ciencia-ficción (Ultimátum a la tierra, 1951, de Robert Wise; El increíble hombre menguante, 1957, de Jack Arnold). Comedias (Con faldas y a lo loco, 1959, de Billy Wilder),y de mas...
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En Francia, junto con una producción en la que intervienen los directores como Jean Renoir (La carroza de oro, 1952), René Clair (La belleza del diablo, 1950) se encuentran excepciones como la de René Clément, con su singular Juegos prohibidos (1952)...La "nouvelle vague" marcará los nuevos itinerarios para el cine posterior.
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abrieron las puertas al cine japonés concediendo importantes premios a películas como Rashomon (1950), de Akira Kurosawa —, Cuentos de la luna pálida de agosto (1953) y El intendente Sansho (1954), de Kenji Mizoguchi, y La puerta del infierno (1953), de Teinosuke Kinugasa —también Oscar a la mejor película extranjera-. Se descubrió en estas películas que su estructura narrativa estaba muy evolucionada y que tenía muchos puntos de contacto con todo lo desarrollado en Occidente.
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Bandas sonoras con un tema fácil de reconocer, en lugar del tapiz sonoro sinfónico a la manera de Steiner.Alex North, Un tranvía llamado deseo (1951)Elmer Bernstein (1922), Los siete magníficos
Bernard Hermann, etapa dorada con el director Alfred Hitchcock: Psicosis, Vértigo.Jerry Goldsmith (1929), Star Trek, Alien el octavo pasajero.Ennio Morricone (1928), La muerte tenía un precio, La Misión, Cinema paradiso (1988).Nino Rota (1911-1979), El padrino, La dolce vita + Federico Fellini. -
Jesús García Leoz
+ Luis García Berlanga, Esa pareja feliz (1951) y Bienvenido Mister Marshall (1952)
+ José María Forqué, Niebla y sol (1952) -
El cine italiano se sostiene a partir de las películas que firman directores como Luchino Visconti que tras Bellísima (1951) y Senso (1954), abordará un cine espectáculo combinado con la reflexión social e histórica (Rocco y sus hermanos, 1960; El gatopardo, 1963; La caída de los dioses, 1969; Muerte en Venecia, 1971). A Roberto Rosellini le interesan los problemas humanos que aborda con diverso interés en Europa 51 (1951) y, especialmente, Te querré siempre (1953).
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El cine británico mantiene vivas las líneas creativas de los cuarenta. . La productora Hammer vivirá su mejor momento industrial y artístico con películas de ciencia-ficción como El experimento del doctor Quatermass (1955), de Val Guest,historia de terror, en las que rescata los personajes clásicos que hiciera famosos la Universal, sólo con la diferencia que estas producciones ya eran en color.
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El cine nórdico continuó ofreciendo excelentes trabajos, como el del maestro Carl Theodor Dreyer que dirigió La palabra (1955), una obra completa en su fondo y forma. No obstante, a partir de esta década el nombre que recordará la existencia del cine en estos países será el de Ingmar Bergman.
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Películas: El ruiseñor de las cumbres, 1958, Cabriola, Marisol rumbo a Río y Tómbola, Las chicas de la cruz roja, El día de los enamorados, La fierecilla domada.
Televisión: Historias de la frivolidad de Narciso Ibáñez Serrador -
El cine estadounidense ya ha sentado bases en Europa, produciendo numerosas películas en Gran Bretaña, Italia y España, con actores de prestigio internacional (Doctor Zhivago, 1965, de David Lean) y los directores más representativos de la época trabajan tanto en Estados Unidos como en el Viejo Continente (John Huston, Stanley Kubrick, Orson Welles, John Schlesinger, etc.).
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Mucho más allá de las trayectorias personales de directores consagrados y de los nuevos creadores, se dieron otras líneas mucho más marginales que se englobaron bajo la denominación "Cine independiente americano" (el New American Cinema, el cine underground), corrientes de vanguardia que quisieron romper con las temáticas tradicionales.
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Uso de partituras preexistentes:
Stanley Kubrick, 2001, Una odisea en el espacio (1968)con partitura de Richard Strauss, Así habló Zaratustra
La naranja mecánica
(1971), con sintetizadores y música de Purcell, Música para el funeral de la reina Mary
Influencia de la música pop:
Maurice Jarre (1924), Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago, Ghost
John Barry (1933), Memorias de África, Bailando con lobos
Henry Mancini (1924), Desayuno con diamantes (1961), La pantera rosa (1964 -
Entre 1962 y 1967 la censura se suaviza
Directores:
Mario Camus, Francisco Regueiro, Manuel Summers, Miguel Picazo, Basilio Martín Patino, Claudio Guerín, Víctor Erice y Carlos Saura
Spaguetti western: Sergio Leone
Compositores:
Luis de Pablo, La caza (1966), Peppermint frappé (1969) o Ana y los lobos (1973) de Carlos Saura
Antón García Abril -
El cine de terror alcanzó algunos de sus momentos más memorables con películas como Psicosis (1960) y Los pájaros (1963), de Alfred Hitchcock, Repulsión (1965) y La semilla del diablo (1968), de Roman Polanski, y La noche de los muertos vivientes (1968), de George A. Romero. El western continúa dando historia con gran fuerza y efectividad como Los siete magníficos (1960), de John Sturges, y El hombre que mató a Liberty Balance (1962), de John Ford.
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Cine: La ciudad no es para mí (1966) y Sor Citroën (1967) de Pedro Lazaga, El crimen de Cuenca (1980) de Pilar Miró, Los santos inocentes (1984) de Mario Camus, el spaguetti western Texas, adiós (1966) de Ferdinando BaldiTV: El hombre y la tierra, Los camioneros, Fortunata y Jacinta, Anillos de oro, Segunda enseñanza, Brigada Central, Ramón y Cajal, Compuesta y sin novio, y Requiem por Granada.
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Los productores tienen otro estilo, los directores se adentran plenamente en el negocio audiovisual, los actores demandan mayores honorarios, el consumo del cine ya no es en la sala o a través de la televisión, pues el vídeo ofrece otra ventana de comercialización. La tecnología avanza tan rápido que revoluciona el concepto creativo cinematográfico y ya, a finales del siglo XX, se ruedan películas en vídeo digital.
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Años 70
Uso de la música pop en el cine + retorno al clasicismo
Dos escuelas:
Castellana, José Nieto, con Truhanes (1983) de Miguel Hermoso
Catalana, Carles Santos, con La oscura historia de la prima Montse (1977), de Jordi Cadena. -
El cine italiano continúa en manos de directores clásicos como Luchino Visconti, Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, aunque otros autores comienzan a demostrar creativamente sus inquietudes culturales e ideológicas en títulos tan interesantes como El conformista (1970) y Novecento (1976), de Bernardo Bertolucci, El árbol de los zuecos (1974), de Ermanno Olmi, Cinema Paradiso (1989), de Giuseppe Tornatore, y el multipremiado trabajo de Roberto Benigni La vida es bella (1998).
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historias catastróficas (desde Aeropuerto, 1970, hasta Armageddon, 1998), al cine de terror, paranormal, llegado del espacio (El exorcista, 1973; Poltergesit, fenómenos extraños, 1982; Alien, el octavo pasajero, 1979; El sexto sentido, 1999), la comedia e historias de terror juvenil (American graffiti, 1973; Scream: vigila que alguien llama, 1996; el proyecto de la Bruja de Blair, 1999), el cine bélico, histórico y político, la comedia familiar, romántica y disparatada ...
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más de 50 bandas sonoras de cine: Enseñar a un sinvergüenza (1970), No es bueno que el hombre esté solo (1973), Doctor, me gustan las mujeres, ¿es grave? (1974), De profesión: polígamo (1975), Casta e pura (1981)
TVE:series La Barraca (1979), Cañas y barro y Sonatas; sintonías para programas Aplauso, Bla, Bla, Bla, Sobremesa, Blanco y Negro, Palmarés (1976), Música y estrellas (1976).. -
Werner Herzog dirige Aguirre o la cólera de Dios (1973), excepcional relato sobre la época de conquistas. Rainer W. Fassbinder, corrosivo analista de la sociedad alemana y del ser humano, firma películas como La ley del más fuerte (1974) y La ansiedad de Verónica Voss (1981). La personalidad de Wim Wenders crece en círculos de cinefilia de todo el mundo tras la proyección de Alicia en las ciudades (1973), El amigo americano (1977), Cielo sobre Berlín (1987).
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A partir de 1975 el cine estadounidense entra en la nueva era que va a estar dominada por los blockbusters, el box-office; es decir, por la rentabilidad inmediata en taquilla de una película. Desde Tiburón (1975), de Steven Spielberg, hasta Spiderman (2002), de Sam Raimi, Hollywood va a estar pendiente de la ventas de entradas en el primer fin de semana.
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Stanley Kubrick (La naranja mecánica, 1971; El resplandor, 1980) y Charles Crichton (Un pez llamado Wanda, 1988), para dar en los ochenta a una de las décadas más brillantes de dicha cinematografía con Carros de fuego (1981), de Hugh Hudson, y Gandhi (1982), de Richard Attenborough, estela que continuarían producciones como Cuatro bodas y un funeral (1994), de Mike Newell, y Secretos y mentiras (1996), de Mike Leight. Surge un cine de realismo social impulsado por Ken Loach
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Años 80
Antón García Abril, Los santos inocentes (1984) de Mario Camús.
José Nieto, El Lute (1987), Juana la Loca (2010) dirigidas por Vicente Aranda -
Grupo Zombies: Groenlandia (1980), Gran ganga para Pedro Almodóvar y Fabio McNamara 1982.
Más de 40 bandas sonoras: -
82 bandas sonoras de cine: Mambrú se fue a la guerra (1986), de Fernando Fernán Gómez, Espérame en el cielo (1988), de Antonio Mercero y Pasodoble (1988), de José Luis García Sánchez (Premio Goya de 1989)
TV: series El pícaro de Fernando Fernán Gómez y la de la serie Verano Azul, la sintonía del programa de debate La clave. -
Más de 70 bandas sonoras de cine: Atraco a las tres, Los chicos con las
chicas.
TV: ¡Señoras y Señores!, Un, dos, tres...
responda usted otra vez
En los años 80 se estableció en Sudáfrica y posteriormente en Estados unidos. -
En el cine francés, junto con los François Truffaut (La mujer de al lado, 1981), Louis Malle (Adiós muchachos, 1987), sigue muy activo Claude Chabrol (Inocentes con manos sucias, 1974; Un asunto de mujeres, 1988; No va más, 1997) y Bertrand Tavernier (Hoy empieza todo, 1999), e irrumpen con fuerza Robert Guédiguian (De todo corazón, 1998) y los hermanos Luc y Jean Dardenne (Roseta, 1999) y Jean-Pierre Jeunet (Amélie, 2001).
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El cine del último tercio del siglo XX fue básicamente espectáculo, producciones que supieron aprovechar el tirón de series impulsadas por Steven Spielberg —uno de los grandes empresarios de Hollywood, además de gran director- y un grupo de directores que fueron consolidando su carrera a su sombra en películas diversas (En busca del Arca perdida, 1981; Regreso al futuro, 1985; Parque Jurásico, 1993; Los Picapiedra, 1994; Forrest Gump, 1994 ; y mucho cine de animación..)
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Las nuevas herramientas tecnológicas, los nuevos hábitos de consumo de productos audiovisuales conducen a que el mundo del cine indague en todo lo que tiene que ver con la electrónica, la realidad virtual, la televisión, Internet y el mundo del videojuego. Además toda la tecnología permite realizar a través de ordenador las nuevas producciones de animación que abordan diversos Estudios (Disney, Fox, Pixar, Dreamworks, etc.).
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peliculas: El Lute (1987), Amantes (1991), La pasión turca (1994), Libertarias (1996) y Juana la loca (2001) , Carmen (2003)de Vicente Aranda, El bosque animado de José Luis Cuerda (1987), El rey pasmado (1991) de Imanol Uribe
TV: series españolas Pepe Carvalho, Teresa de Jesús, Los jinetes del alba; series documentales El arca de Noé; series internacionales, Capitan Cook, Armada, para la BBC, Crusades, The End of the World -
unto con el movimiento Dogme 95 impulsado por Lars von Trier (Rompiendo las olas, 1996) y otros cineastas danesese puede decir que son autores únicos (como el griego Theo Angelopoulos, el portugués Manoel de Oliveira, los filandeses Aki y Mika Kaurismäki, el iraní Abbas Kiarostami, etc.) llegan con frecuencia a ciertas salas europeas para ser disfrutados por el público interesado en otras historias y maneras de narrar.
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50 bandas sonoras, 10 premios Goya y 3 nominaciones a los Oscar
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Surge un amplio grupo de compositores y se consolida un nuevo concepto audiovisual.
Alberto Iglesias con Todo sobre mi madre y Hable con ella.
Roque Baños con La Comunidad, 800 balas, Torrente el brazo tonto de la ley, El otro lado de la cama
Renovación general en todos los sectores de la industria cinematográfica
Directores, Pedro Almodovar, Juanma Bajo Ulloa, Julio Médem y Álex de la Iglesia, Agustín Díaz Yanes, Alejandro Amenábar, Icíar Bollaín,.. -
Billy Wilder o Robert Altman, Francis Ford Coppola, William Friedkin, Woody Allen o Clint Eastwood, Jim Jarmusch, Tim Burton, Steven Soderbergh y los hermanos Coen. Y todos ellos, dan entrada a las nuevas estrellas cinematográficas como Tom Cruise, Julia Roberts, Jodie Foster, Kevin Costner, Arnold Schwarzenegger, Harrison Ford, Sylvester Stallone, Sharon Stone, Brad Pitt, Bridget Fonda o George Clooney, entre otros muchos; el más vivo retrato del nuevo Hollywood.
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Formado en el Berklee College of Music de Boston (EE.UU), especializado en Composición de Música para cine y en Jazz.
Estilo épico de John Williams + experimentación con varios estilos musicales. -
Etapa de eclecticismo de estilos y de heterogeneidad musical con músicos de los más diversos estilos compositivos: estudios clásicos reglados, jazz, música electrónica, electroacústica, o pop. Predomina la orquestación sinfónica, muy característica de la tradición musico-cinematográfica norteamericana
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Steven Spielberg , John Williams (1932): Superman (1979), Star wars (1977), Harry Potter (2001)Yann Tiersen
Amelie (2001), Good Bye, Lenin! (2003)
James Horner
Leyendas de pasión (1994), Titanic (1998), Una mente maravillosa (2001), Avatar (2009),Vangelis
Carros de fuego (1981), Blade runner (1982), 1492: la conquista del paraíso (1992)
Dani Elfman + Tim Burton
Eduardo manostijeras (1990), La novia cadáver (2005)
