Historia del arte moderno y contemporáneo

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  • 1426

    La Anunciación- Fra Angelico

    La Anunciación- Fra Angelico
    Fra Angelico nos demuestra en esta composición sus dotes como iluminador, vemos en primer plano la escena de La Anunciación y en segundo plano, al fondo nos abre una puerta a otra habitación, menos iluminada, para tratar además de crear la sensación de profundidad.
    Uno de los rasgos que nos indica que estamos en el Renacimiento es la presencia en la obra de arquitectura de su época, para lo que se vio inspirado por Bruneleschi.
  • 1443

    El Descendimiento- Rogier van der Weyden

    El Descendimiento- Rogier van der Weyden
    Obra emblemática del Renacimiento de Flandes. La composición sigue una estructura piramidal y cerrada, pues los cuerpos de los personajes situados en los extremos, se encuentran encorvados hacia el centro de la composición, delimitándola. Nótese la posición paralela de los cuerpos de Cristo y la Virgen, que cae desmayada por el dolor.
    Aunque la creación de volumen está presente en toda la composición, donde más lo notamos es en la carga volumétrica de paños y vestimentas de los personajes.
  • 1477

    Alegoría de la primavera- Sandro Botticelli

    Alegoría de la primavera- Sandro Botticelli
    La escena se desarrolla en un bosque frondoso, cuya oscuridad nos transmite cierto misterio. En el centro, la Venus que se sitúa en el cuadro es la alegoría del amor profano (Afrodita Pandémica). Tal y como vemos, a esta Venus se la suele presentar vestida y en una actitud en cierto modo discreta.
    Otros personajes que encontramos son las Tres Gracias, a Hermes, Boreas, Cloe y Flora. Se ve la influencia del pensamiento neoplatónico en Botticelli.
    Trías, E. (2016). 'Lo bello y lo siniestro'.
  • 1485

    El nacimiento de Venus- Sandro Botticelli

    El nacimiento de Venus- Sandro Botticelli
    Observamos un paisaje idílico, cuyos eje central ocupa Venus, protagonista de la escena. El resto de personajes, situados a su izquierda y derecha, nos sugieren movimiento y dinamismo hacia el centro de la composición: tienden a Venus.
    La obra se encuadra dentro del neoplatonismo de la Escuela Florentina. Según la interpretación de Eugenio Trías ('Lo bello y lo siniestro', 2016), en esta obra Botticelli plasma 'la imagen resplandeciente e instantánea de la belleza originaria'.
  • 1505

    Mesa de los Pecados Capitales- El Bosco

    Mesa de los Pecados Capitales- El Bosco
    Los tres textos que figuran en esta obra ponen en relación la omnipresencia de Dios, la libertad del hombre y las consecuencias del pecado. Por un lado, situadas en las partes superior e inferior del círculo central vemos dos bandas con inscripciones en latín de textos del Deuteronomio, advirtiendo las consecuencias del pecado.
    A su vez, Cristo está situado en el centro de la composición acompañado de otra inscripción que nos recuerda su omnipresencia: 'Cuidado, Dios está mirando'.
  • 1577

    Judith y Holofernes- Tintoretto

    Judith y Holofernes- Tintoretto
    Vemos una composición marcada por la acentuada perspectiva: desde la criada agachada y de espaldas al espectador, hasta el cuerpo de Holofernes, tumbado a mano derecha y que refuerza enormemente la sensación de profundidad del cuadro.
    Un típico telón rojo rodea la escena. La chocante diferencia entre la perspectiva de la mesa y del cuerpo de Holofernes nos hace pensar que la escena fue pensada no para ser colgada a la altura de la mirada del espectador, sino un poco superior.
  • 1579

    El rapto de Helena- Tintoretto

    El rapto de Helena- Tintoretto
    Composición extraordinariamente dinámica gracias al empleo del color y el claroscuro en combinación con las actitudes beligerantes de los personajes. Se logra la perspectiva por medio de las lineas de los mástiles, que consiguen dirigir la mirada del espectador hacia el punto central del cuadro.
    Es de destacar el característico empleo de la luz: la oposición del claroscuro en las imágenes en primer plano, contrasta con la luz del fondo y origina un efecto curioso.
    (En www.museodelprado.es)
  • 1580

    Una fábula- El Greco

    Una fábula- El Greco
    En esta obra el tenebrismo propio del estilo del Greco ocupa un primer plano, con la peculiar iluminación del joven que sopla el tizón. También le caracterizan sus pinceladas largas y sueltas.
  • La vocación de San Mateo- Caravaggio

    La vocación de San Mateo- Caravaggio
    La obra en cuestión se encuadra dentro del periodo barroco. Según afirma Enrique Valdivieso (1997), 'el amplio registro de gestos y actitudes, junto con la contrastada alternancia de la luz y de la sombra, otorga a esta obra el valor de ser la primera en la historia donde se constata un sentido de modernidad narrativa, natural, espontánea y cotidiana, que abre la puerta a un nuevo entendimiento de la creatividad pictórica.
  • Adoración de los pastores- El Greco

    Adoración de los pastores- El Greco
    El tenebrismo es, de nuevo, protagonista de este cuadro del Greco, con gran contraste cromático y lumínico entre las figuras , como se ve al comparar el rostro de maría con el pastor arrodillado en primer plano.
    Por otro lado, encontramos dos niveles muy diferenciados dentro de la imagen: el inferior y el superior. Las figuras, como es habitual en el autor que tratamos, están alargadas y deformadas. La posición de los ángeles nos hace suponer que la obra estaba pensada para situarse en alto.
  • Ceres y dos Ninfas- Pedro Pablo Rubens

    Ceres y dos Ninfas- Pedro Pablo Rubens
    Nos encontramos ante una composición Barroca, el pintor flamenco escoge, como es común dentro de su producción artística, una temática mitológico.
    Los personajes femeninos, semidesnudos, tienen cuerpos voluptuosos y al mismo tiempo delicados. Marco natural con abundancia de tonos suaves que resalta la delicadeza de la composición.
  • El rapto de las hijas de Leucipo- Pedro Pablo Rubens

    El rapto de las hijas de Leucipo- Pedro Pablo Rubens
    A nivel compositivo, es interesante destacar que los elementos se encuentran en disposición romboidal: los caballos cierran el rombo superiormente y una figura femenina lo hace en la inferior.
    Los rostros denotan gran dramatismo, una 'violencia expresiva' (1) propia del Barroco pictórico. Por otro lado, es de destacar el contraste entre la violencia de la escena principal y el equilibrio armonioso y natural que la rodea.
    (1) Valdivieso, E. (1997) 'Historia del arte moderno', p. 215.
  • El oído- Brueghel el Viejo, Pedro Pablo Rubens y otros.

    El oído- Brueghel el Viejo, Pedro Pablo Rubens y otros.
    Esta obra forma parte de una serie de composiciones conjuntas entre Rubens y Brueghel que dedican a representar los cinco sentidos a través de alegorías sinestésicas.
    Venus, ocupando el centro de la composición, sostiene un instrumento mientras Cupido, junto a ella, le muestra un libro de partituras. Vemos objetos no sólo musicales, sino simplemente que nos evocan un sonido determinado como relojes, campanillas, escopetas, etc.
    En segundo plano, se encuentra un grupo de músicos.
  • La venerable Madre Jerónima de la Fuente- Velázquez

    La venerable Madre Jerónima de la Fuente- Velázquez
    Velázquez muestra pictóricamente el retrato psicológico de la retratada que mirada de manera intensa al espectador. La manera en la que sujeta el crucifijo, fuertemente sostenido, casi amenazante, nos transmite cierta inquietud, se trata del retrato de dura. En el uso del color se ve la influencia por el tenebrismo de Caravaggio.
    'Al retratarla, crea un modelo de santidad ejemplarizante'. (Museo del prado)
  • La ronda de noche- Rembrandt

    La ronda de noche- Rembrandt
    Se trata de una composición marcada por los efectos de claroscuro y contraste lumínico, que potencian el dramatismo en la composición.
    Se trata de un retrato colectivo pero con una composición novedosa para la época: los personajes no están representados de forma estático y frontal, sino que se encuentran desordenados, en actitud dinámica, e incluso relacionándose entre ellos.
    En Valdivieso, E. (1997) 'Historia del arte moderno', p. 240.
  • Las Meninas- Diego de Velazquez

    Las Meninas- Diego de Velazquez
    Cervantes, sabiendo el lugar en el que se iba a situar el cuadro, dibuja el foco de luz a la derecha de la escena, de tal manera que el espectador de la época tuviera la ilusión óptica de que es la luz de la ventana, situada a la derecha de la obra, la que ilumina la escena.
    Velázquez también emplea efectos lumínicos para crear sensación de espacio, iluminando el primer plano y dejando en penumbra el resto de la escena.
    En Valdivieso, E. (1997) 'Historia del arte moderno', p. 258.
  • El columpio- Jean-Honoré Fragonard

    El columpio- Jean-Honoré Fragonard
    Nos encontramos ante una de las obras más conocidas del Rococó, el pintor capta, con minucioso detalle, la picardía entre aristócratas.
    Se trata de una composición dinámica, que capta el instante justo antes de que el columpio vuelva hacia atrás. La luz arrojada sobre la escena le da un carácter casi fantástico, ideal. El personaje femenino, situado en el centro de la composición, intercambia una mirada lasciva cono el personaje masculino en primer plano.
    (En https://historia-arte.com/)
  • El íncubo- Johann Heinrich Füssli

    El íncubo- Johann Heinrich Füssli
    Se trata de una obra rodeada de misterio y erotismo, tanto por el tema como por el color empleado.
    Por un lado, una figura de mujer joven se encuentra desmayada en una dramática pose. Encima suya, el íncubo, monstruo mitológico relacionado con la sexualidad, y un caballo, también símbolo de la pasión sexual.
    Este tipo de temas terroríficos será representado por los románticos a comienzos del siglo XIX.
    En Bozal, V. (1997) 'Historia del arte moderno', p. 354.
  • La muerte de Viriato, jefe de los Lusitanos, José de Madrazo y Agudo

    La muerte de Viriato, jefe de los Lusitanos, José de Madrazo y Agudo
    Se trata de una obra emblemática del neoclasicismo español, de marcado estilo academicista. Vemos que la composición está muy marcada, dividida en grupos de personajes. Los rostros de los personajes plasman el dolor contenido, el personaje central, Viriato, se halla notablemente más iluminado.
  • Amor Divino y Amor Profano- José de Madrazo

    Amor Divino y Amor Profano- José de Madrazo
    Perteneciente al Clasicismo, la obra nos presenta una alegoría moral, con un estilo claramente academicista, 'las anatomías, de contornos blandos y suaves, están resueltas marcando las carnaciones con un modelado sensual, que difumina tenuemente los volúmenes y subraya el carácter frágil y delicado de las dos figuras alegóricas.'
    (En https://www.museodelprado.es)
  • El caminante sobre el mar de nubes- Caspar David Friedrich

    El caminante sobre el mar de nubes- Caspar David Friedrich
    En esta composición, de las más emblemáticas dentro del periodo romántico, observamos un personaje de espaldas al espectador en el centro de la composición. Frente a él, el mar agitado nos llama la atención, es el elemento más expresivo de la obra, nos sugiere la insignificancia del hombre frente a la naturaleza.
  • La Romería de San Isidro- Goya

    La Romería de San Isidro- Goya
    Es perteneciente al conjunto de catorce escenas con el título de 'Pinturas Negras' por la abundancia en ellas de pigmentos parduzcos y negros y, asimismo, por lo sombrío de los temas.
    Un guitarrista encabeza al resto de personajes, que parecen de ultratumba, 'deformes como la realidad' (1). La guitarra aparece distorsionada, de ella no se distinguen cuerdas ni clavijero.
    Goya representa en este conjunto el desencanto con España.
    -(1). 'Arte y música en el museo del prado'. Fundación Argentaria.
  • La libertad guiando al pueblo- Delacroix

    La libertad guiando al pueblo- Delacroix
    Nos encontramos ante una alegoría a la libertad, personificada en la mujer con el pecho desnudo y que alza al aire la bandera Francesa. Un ideal muy elevado en ese momento histórico, pues fue el que encarnó la Revolución francesa y las revoluciones liberales del XIX.. La luz otorga dramatismo a las distintas regiones del cuadro, y sobresalta, con un halo de blancura, la figura de la libertad.
    (En www.culturacolectiva.com)
  • Entierro en ornans- Gustave Coubert

    Entierro en ornans- Gustave Coubert
    Es de destacar la torpeza con la que se presenta a los personajes de esta composición, que se aleja de la elegancia profesional y académica que sus contemporáneos esperaban de él. El carácter que Coubert adopta en esta composición es una muestra de cuál será su estilo en posteriores obras.
    Es interesante también mencionar que se trata de una composición a tamaño natural de los personajes que se muestran, el realismo se traslada también a las dimensiones del soporte.
    -En www.artehistoria.com.
  • Edipo y la esfinge-Gustav Moreau

    Edipo y la esfinge-Gustav Moreau
    Precursor del realismo, Moreau cultivó esta corriente antes de la publicación del Manifiesto en 1886.
    En esta obra Moreau nos muestra a Edipo resolviendo el mito de la Esfinge. En la parte inferior vemos el cadáver de otro viajero que, fallidamente, lo intenta antes que Edipo.
    Inspirado en el escrito de Sófocles, el pintor plasma en esta obra el misterio que rodea a la historia: por un lado, en el paisaje que rodea a los personajes, por otro, en la intensa mirada que éstos se intercambian.
  • Fantasía sobre Fausto- Mariano Fortuny y Marsal

    Fantasía sobre Fausto- Mariano Fortuny y Marsal
    Homenaje a Juan Bautista Pujol ejecutando una de sus fantasías, dedicada al Fausto. El cuadro tiene una parte imaginaria, onírica, protagonizada por Mefistófeles y Marta, con un trazo suelto e impreciso, dejándonos ver que se trata de una fantasía. Por otro lado, la parte más 'real' del cuadro estaría protagonizada por el pianista, con tonos más oscuros. El empleo que Fortuny hace del color, muy impresionista, nos sugiere esta diferenciación entre realidad y fantasía.
  • Impression, soleil levant- Claude Monet

    Impression, soleil levant- Claude Monet
    Tal y como nos indica desde el título, esta obra pertenece al Impresionismo. Vemos que el color es el protagonista de la composición. De hecho,el espectador tiene que fijarse en la imagen para darse cuenta de que los trazos negros del centro de la composición forman una barca, pues son trazos ágiles y pequeños.
    (En www.lacamaradearte.com)
  • La Canal de Mancorbo en los Picos de Europa- Carlos de Haes

    La Canal de Mancorbo en los Picos de Europa- Carlos de Haes
    Reconocido como el cuadro más emblemático del paisaje realista español del siglo XIX. Muestra 'una nueva forma sincera y directa de interpretar la naturaleza -heredada de la tradición flamenca de su escuela de origen-, ajena a cualquier artificio y fantasía, que acabaría por desterrar definitivamente la idealización purista del paisaje romántico'.
    (En www.museodelprado.es)
  • El grito- Munch

    El grito- Munch
    Composición emblemática del expresionismo, muestra 'el dolor y la angustia del ser humano ante las tragedias de la vida'. Todos los elementos de la composición nos sugieren desasosiego e inquietud: desde el uso de líneas onduladas, el color y la mueca de la figura central, que se sujeta la cabeza en medio de un grito que no oímos, pero imaginamos como desgarrador.
    Preckler, A. 'Historia del arte universal de los siglos XIX y XX'
  • La alegría de vivir- Matisse

    La alegría de vivir- Matisse
    Las características cromáticas del cuadro responden a las del estilo Fauvista.
    El uso de tonos intenso y de manera subjetiva es el principal pilar del Fauvismo. Vemos, además, que el color es plano, hay una ausencia total de claroscuros o interés en representar volumen.
    El abundante empleo que el autor hace de las líneas onduladas y sinuosas otorga un carácter sensual a las figuras de la composición
    (En https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com)
  • Señoritas de Avignon- Pablo Picasso

    Señoritas de Avignon- Pablo Picasso
    Obra emblemática del cubismo fundacional. Los personajes son prostitutas de una calle de Barcelona que el pintor solía frecuentar. Las líneas oblícuas dotan al cuadro de gran dinamismo, un dinamismo en cierto modo perturbador. Aunque las figuras centrales ya presentan un rostro deformado, las de la derecha se encuentran completamente descompuestas en figuras geométricas. Se pueden encontrar similitudes con el arte egipcio si nos fijamos en el rostro de la mujer más situada a la izquierda.
  • Chicos en la playa- Sorolla

    Chicos en la playa- Sorolla
    Al autor impresionista le interesó el movimiento de las aguas, convertido en puro motivo pictórico, los destellos de luz en el mar y en el cuerpo de los niños, los reflejos de las figuras de éstos en el agua y las sombras sobre la superficie líquida. (...) consiguió plasmar una composición de equilibrio entre la actitud estática de los cuerpos tendidos y el dinamismo de su colocación relativa.
    En 'Chicos en la Playa' de Sorolla en www.museodelprado.es
  • Mujer con peras- Pablo Picasso

    Mujer con peras- Pablo Picasso
    Perteneciente al cubismo analítico, esta obra nos muestra el rostro de un hombre descompuesto en facetas superpuestas (recurso conocido como 'facetado'). Se trata de una composición a medio camino entre el cubismo fundacional (1907-1909) y el analítico, comparte en cierto modo la características cromáticas del analista en cuanto a los tonos generalmente apagados, pero no es una característica rotunda así que no podemos afirmar definitivamente que se trate de uno o de otro.
  • Unique Forms of Continuity in Space- Umberto Boccioni

    Unique Forms of Continuity in Space- Umberto Boccioni
    Perteneciente al movimiento futurista, la figura se halla deforma da aerodinámicamente por la velocidad. Boccioni exageró el dinamismo del cuerpo para que encarnara el impulso hacia el progreso. La escultura plasma las ideas del 'cuerpo mecanizado'que mencionaban los manifiestos futuristas, así como el "superhombre" descrito por el filósofo Friedrich Nietzsche.
    (En Tate Art https://www.tate.org.uk/art/artworks/boccioni-unique-forms-of-continuity-in-space-t01589)
  • Mujer con abanico- María Blanchard

    Mujer con abanico- María Blanchard
    La composición se encuentra dentro de lo que denominamos segundo cubismo, cuyo máximo protagonista fue Juan Gris.
    Blanchard, cercana a Gris, nos muestra en esta obra colores vivos, como es propio en el 2º cubismo.
    No obstante, en esta composición a nivel cromático lo que destaca es el contraste entre los colores vivos y los neutros y oscuros, como los gruesos trazos negros.
  • Mesa frente a la ventana- Pablo Picasso

    Mesa frente a la ventana- Pablo Picasso
    Perteneciente al segundo cubismo, nos encontramos ante una composición de colores llamativos y mayor figuración que en etapas anteriores: los elementos se pueden distinguir, pero están 'entremezclados' unos con otros. Encontramos referencias sinestésicas: por un lado, la guitarra, icono muy presente en las composiciones cubistas, y la ventana abierta al mar, que nos evoca una frescura, y naturalidad
  • Cante hondo- Julio Romero de Torres

    Cante hondo- Julio Romero de Torres
    Como gran aficionado del flamenco y amante de la tierra andaluza que era, Romero de Torres dedicó numerosas de sus composiciones a representaciones de este arte y a la mujer andaluza que, como aquí vemos, a menudo ocupa la posición central de la composición.
    Su estilo, de estética simbolista, se basa en la representación lastimera de los personajes, y el uso de tonos azulados y oscuros, dotando a sus obras de un halo de poesía y misterio
    (En 'Romero de Torres, Julio' www.museodelprado.es)
  • La table du musicien- Juan Gris

    La table du musicien- Juan Gris
    A partir de 1915, Juan Gris se convierte en la figura más destacable dentro del cubismo. Este es un ejemplo de sus Bodegones Musicales, en los que nos demuestra su afición por la música.
    Aunque en esta etapa su estilo se caracteriza por el empleo de colores vivos y planos, en esta ocasión se decanta más por los granates y tonos que tienden a lo oscuro.
  • El falso espejo- René Magritte

    El falso espejo- René Magritte
    El estilo de Magritte es situado por unos en el surrealismo y por otros en el realismo mágico: pintaba objetos desde una óptica realista, pero en un contexto fuera de todo sentido.
    Sus escenas creaban un efecto de confusión en el espectador. En el ejemplo que nos ocupa, Magritte dibuja el cielo dentro del iris de un ojo. ¿Es el cielo un reflejo el cielo exterior o de lo que hay dentro de la cabeza del personaje (al que no vemos al completo)?
    Elsohn, M.(2003) 'Salvador Dalí and the surrealists'.
  • Calle Alonso Pesquero- Angeles Santos

    Calle Alonso Pesquero- Angeles Santos
    Siguiendo la línea estilística onírica de la autora, vemos representada una calle de Valladolid, pero con una iluminación y una forma de representar que nos evocan a lo lúgubre y fantasmagórico que veíamos en otras composiciones de la autora como 'Tertulia'. Los pocos personajes que hay no se llegan a ver bien, pero se les representa con tonos oscuros y en posiciones casi tambaleantes.
  • Un mundo- Ángeles Santos

    Un mundo- Ángeles Santos
    Inspirada por unos versos de Juan Ramón Jiménez, la autora presenta en esta composición una unión entre figuración clásica y una óptica onírica.
    Se muestra cómo una fila de mujeres sube unas escaleras y toma fuego del sol para llevarlo al cielo e iluminar con él las estrellas. En la esquina inferior derecha, un grupo de mujeres con gesto solemne tocan instrumentos.
    Perteneciente al surrealismo onírico, la obra sorprendió a los intelectuales del momento.
    (En www.museoreinasofía.es)
  • Antro de fósiles- Maruja Mallo

    Antro de fósiles- Maruja Mallo
    Vemos que en esta composición destaca un claro componente apocalíptico: un paisaje lleno de restos de huesos, excrementos, humedad y, en definitiva, muerte. El paisaje húmedo y pantanoso está poblado de esqueletos y restos óseos. Podemos decir que es profética en cierto sentido, pues presagia el enfrentamiento bélico que viviría España pocos años más tarde.
    Aunque también hay señas de vida, pequeños reptiles que parecen haber sobrevivido a la caos.
    (En www.camaradelarte.com)
  • La persistencia de la memoria- Salvador Dalí

    La persistencia de la memoria- Salvador Dalí
    De las obras más famosas de Dalí y uno de los principales ejemplos de su producción surrealista.
    Influidos por las ideas de de Freud, los surrealistas tratan de plasmar en sus obras imágenes de sus sueños, pues según creían desvelaban su subconsciente. En esta composición vemos tema del tiempo manipulable, simbolizado por el reloj suave.
    'A través de su uso del simbolismo manifiesto, examina la percepción humana del tiempo'
    En The Dalí Universe (https://www.thedaliuniverse.com/es/surrealismo)
  • Peinture (Escargot, femme, fleur, étoile)- Joan Miró.

    Peinture (Escargot, femme, fleur, étoile)- Joan Miró.
    Nos encontramos ante una de las «pinturas salvajes» de Miró, creadas a partir del miedo que el autor presentaba ante el desarrollo de los fascismos y el aumento de la tensión política antes de la Guerra Civil española. El autor refleja tal preocupación en forma de figuras amorfas y grotescas con un tonos intensos y muy llamativos. Los protagonistas comparten el proceso de inminente metamorfosis.
    DokuArt, en https://catalogo.artium.eus/dossieres/artistas/joan-miro/claves-de-su-obra.
  • Femme et chien devant la lune (Mujer y perro delante de la luna)- Joan Miró

    Femme et chien devant la lune (Mujer y perro delante de la luna)- Joan Miró
    Encontramos algunos de los principales elementos de la iconografía de Miró, pintor perteneciente al surrealismo abstracto: mujer y pájaro constituyen la pareja más emblemática de la iconografía mironiana, en una unión perfecta entre la tierra y el cielo. Miró muestra a la mujer como una enérgica manifestación vital.
    DokuArt. (https://catalogo.artium.eus/dossieres/artistas/joan-miro/claves-de-su-obra)
    Preckler, A. M. Historia del arte universal de los siglos XIX y XX. Editorial Complutense.
  • Móvil de Calder

    Móvil de Calder
    Se opone a la escultura tradicional e imita la ligereza. Calder fue cultivador del arte cinético, que pretendía producir movimiento en las composiciones, de hecho fue el inventor del móvil, aunque fue Duchamp quien acuñó el término tras observar la primera escultura de este tipo de Calder. Los materiales son planchas metálicas planas unidas mediante alambres.
  • Mujer ante el espejo- Julio González

    Mujer ante el espejo- Julio González
    Obra emblemática de la escultura moderna, su tamaño y su gran complejidad conceptual y formal hacen de ella la más ambiciosa de González . El artista transforma y reordena las diversas partes del cuerpo de la mujer, y nos demuestra un trabajo de grandes habilidades técnicas y con una potente fuerza dinámica y una densidad poética intemporal (1). Este juego de volúmenes con plancha de metal se encuadra dentro de la escultura postcubista.
    (1)Valdearcos, E. 'Mujer ante el espejo, Julio González'.
  • Guernica- Pablo Picasso

    Guernica- Pablo Picasso
    Tras enterarse de los bombardeos de la aviación alemana a la población civil de Guernica, Picasso decidió reflejar el caos que se estaba viviendo en la España de la Guerra Civil para intentar conseguir eco internacional y apoyo.
    El cuadro es cubista, como se ve en la superposición de facetas, pero tiene también un tinte surrealista.
    Encontramos dos tipos de personajes: los animales (caballo, toro y pájaro).Por otro LADO, las figuras humanas, todas ellas reflejan el dolor en su mirada.
  • Balustre et Crane- Georges Braque

    Balustre et Crane- Georges Braque
    'Balustre et Crane' forma parte de los bodegones ('Vanitas') de Braques en los que presenta objetos que simbolizan la agonía y la miseria. En este cuadro en particular usa colores brillantes para representar su discomformidad acerca de la guerra de la que acababa de volver.
    Wikiart (https://www.wikiart.org/en/georges-braque/balustre-et-crane-1938).
  • Constellation- Alexander Calder

    Constellation- Alexander Calder
    Siguiendo la línea de la escultura cubista de Julio González, Calder nos muestra una escultura con parte móvil que expresa un movimiento contenido, quizás emulando el movimiento del universo. Se trata de una oposición a la escultura tradicional, una imitación de lo ligero.
    Según las palabras de Miró, 'las Constellations de Calder tienen también una voluntad de monumentalidad'.
    (Descripción de la obra en: https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/constellation-constelacion)
  • Period:
    1400
    to

    Renacimiento

  • Period:
    1400
    to
    1500

    Quattrocento

    Aunque con anterioridad a 1400 ya encontramos 'renacimientos' de lo antiguo, no se había conseguido el carácter global y continuo al que llegaría el Renacimiento del Quattrocento.
    Lo clásico, dice Marías (1997), se propone como modelo de imitación universal
    Marías, F (1997). 'Historia del arte moderno'. Madrid: Alianza Editorial, p. 4.
  • Period:
    1500
    to

    Cinquecento

    Aplicación refinada de las formas clásicas conseguido por un conocimiento minucioso de las mismas. Se consigue una asimilación total de la idea clásica de mímesis o imitación de la Naturaleza. El arte se empieza a juzgar como un sistema de imitación de la naturaleza, se empieza a reivindicar el valor de las artes manuales (como la pintura), hasta entonces de 2ª categoría. Los artistas hablan de métodos y técnicas en el arte.
    Bustamante, A. (1997)
  • Period:
    1520
    to

    Manierismo

    Etapa considerada intermedia entre Renacimiento y Barroco.
    Tras la Contrarreforma y el Concilio de Trento, encontramos en el arte una cierta 'negación del mundo', abolición de las leyes clásicas de composición, etc.
    El Greco y su tenebrismo, uso del color y creación de figuras aparentemente distorsionadas, es uno de los principales representantes del Manierismo.
    Hatje, U. (1973) 'Historia de los estilos artísticos'.
  • Period: to

    Barroco

    La pintura se empleó como un instrumento de transmisión del pensamiento de la Contrarreforma. Hubo, por tanto, n interés didáctico en la pintura, que pretendía infundir respeto en el espectador, así como reflejar ejemplos de santidad y virtud.
    Algunas de las características técnicas que encontramos son la movilidad de las figuras, los tonos vivos, el contraste de color y el juego con los efectos lumínicos.
    Valdivieso, E. (1997) 'Historia del arte moderno', p. 215.
  • Period: to

    Rococó

    Desde la segunda década del siglo XVIII encontramos indicios de un nueva estética derivada del Barroco, que dejará de lado la grandilocuencia y transcendencia de éste último. En su lugar, la pintura empezará a ser más sutil, frívola e intrascendente, con colores más suaves, así como composiciones más pequeñas en tamaño.
    El óleo como soporte dominante será sustituido por pastel, que permitió a los artistas la sutileza que comentábamos.
    Valdivieso, E. (1997) 'Historia del arte moderno', p. 215.
  • Period: to

    Neoclasicismo

    En un principio surgido como una reacción al Rococó y su frivolidad, el Neoclasicismo es considerado como el estilo de la Ilustración. Se ofrece un nuevo modelo estético basado en la noble simplicidad y moderación y la recuperación de la antigüedad Griega a través del academicismo.
    La publicación en 1755 de 'Reflexiones sobre la imitación del arte griego en la pintura y la escultura' ya nos anuncia el cambio artístico.
    Bozal, V. (1997). En 'Historia del arte moderno'.
  • Period: to

    Romanticismo

    En el Romanticismo empezamos a ver en los artistas un reflejo de su visión íntima del mundo. También tuvo influencia la estrecha relación que hubo entre filósofos y pintores en el momento, especialmente Kant, que pone en cuestión elementos de la razón humana.1
    El culto al yo y a la subjetividad, las ansias de libertad y escapismo y el amor a la naturaleza, seráan algunos de los temas principales. 2
    (1)Fleming, J. 'Historia del arte'.
    (2) Preckler, A.'Historia del arte universal (XIX y XX)'
  • Period: to

    Realismo

    En el marco de las revoluciones sociales de la Francia de mediados del siglo XIX, los pintores franceses empezaron a pensar que la pintura había de reflejar 'las cosas tal y como son'. Así, representándolas tal cual se encuentran en la realidad, los sujetos pictóricos, proponía Coubert, 'se explican por sí mismas'.
    Malpas, J. (2000). 'Movimientos en el Arte Moderno'.
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    Impresionismo

    En el Impresionismo el color ganaría importancia frente al propio dibujo de los elementos, que pasa a estar en segundo plano. Los efectos de la luz y color serán el principal recurso de los artistas impresionistas, algo que plasmarán en numerosas ocasiones en sus obras de atardeceres, amaneceres y reflejo del agua.
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    Simbolismo

    En 1885, el poeta Joan Moreás publicaba el Manifiesto Simbolista, cuyas ideas pronto se llevarían a la pintura, pues dentro de las artes plásticas el Simbolismofue un reflejo del movimiento comenzado por los literatos.
    Surgió en Francia como reacción al Impresionismo, los simbolistas impregnaron sus pinturas de misterio, esoterismo y espiritualidad, las imágenes que plasmaban eran representación de una idea indesvelable.
    -'Simbolismo' en www.arteespana.com
    -Brodskaïa, N. 'El Simbolismo'.
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    Expresonismo

    Desde finales del siglo XIX hasta bien entrado el XX. Es uno de los movimientos más complicados de delimitar y definir. Hoy día se considera expresionista a cualquier artista que 'distorsione las formas de un modo exagerado o aplique la pintura de una manera subjetiva, intuitiva y espontánea'. Los artistas que formaban parte de este movimiento diferían en sus orígenes y formación, no era un estilo cohesionado.
    -Behr, S. (2000). 'Expresionismo: movimientos en el arte Moderno'.
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    Fauvismo

    En la exposición del Salón de Otoño de 1905, un grupo de pintores encabezado por Matisse, presentaró a sus contemporáneas unas composiciones que anunciaban la llegada de un nuevo movimiento. Serían designados como 'fauves' (fieras) por la crítica, término que tomarían por propio.
    El uso subjetivo del color, la simplificación del dibujo, el agresivo contraste y la ausencia de claroscuro son algunos de los principios de este movimiento.
    En 'Las Vanguardias artísticas históricas' (www.um.es)
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    Cubismo fundacional

    Ruptura con la perspectiva renacentista, los autores superponen perspectivas. Los artistas enfrentan la búsqueda del arte puro, con tan sólo 2 dimensiones, pues el volumen no les interesa. En cierto modo es una manera de buscar diferenciarse con la fotografía, sobresalir a ella.
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    Cubismo Analítico

    Se muestra una imagen desde diferentes puntos de vista. Ortogonalidad y facetado. Esta etapa se caracteiza por presentar obras con colores agrios, menos llamativos, apagados, así como por la temática de naturaleza muerta.
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    Futurismo

    Aunque el primer Manifiesto futurista, de Marinetti, se publica en 1909, el manifiesto de los pintores futuristas no se publicaría hasta 1910, por Boccioni, Carrà, Russolo, y otros.
    Algunas de las ideas que enunciaban en su escrito pasaban por 'destruir el culto al pasado, la obsesión por lo antiguo, la pedantería y el formalismo académico' y 'elevar todos los intentos de originalidad, no importa qué tan audaz, qué tan violento.'
    (http://artecontempo.blogspot.com/2005/05/el-futurismo.html)
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    Cubismo sintético

    Contemporáneo a la creación del collage, se notan influencias, con colores más vivos, aparecen letras estarciadas en las composiciones, además de cierta curvatura en las formas de las composiciones. La gama cromática de las obras es un poco más viva que en los periodos anteriores. Vemos que en la iconografía cubista es frecuente la aparición de instrumentos, en especial guitarra y violín. La superposición de perspectivas se aproxima a la visión que se ve a través de un caleidoscopio.
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    Nuevo cubismo

    En esta nueva etapa vemos a Juan Gris como protagonista. La gama cromática es más viva y plana, las figuras se distinguen menos, sigue habiendo abstracción pero a la vez hay mayor figuración.
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    Clasicismo onírico de entreguerras

    Los artistas se percatan de que, tras las atrocidades cometidas durante la I Guerra Mundial, nada volverá a ser lo mismo, moralmente todo ha cambiado. Es por ello que se esfuerzan en, desde imágenes aparentemente cotidianas, evocar imágenes oníricas.
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    Surrealismo

    Aunque el término fue acuñado por el escritor Apollinaire, es André Breton quien en 1924 publica el Manifiesto surrealista, en el que reivindica que el surrealismo es un medio de reunir los facetas conscientes e inconscientes de la experiencia.
    Encontramos dos tendencias en este movimiento: la figurativa, una transformación de la realidad formal, y la abstracta, sin referencia real.
    En 'Las Vanguardias artísticas históricas' (www.um.es)
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    Escultura postcubista

    El material empleado es la plancha de metal, se crean dentro de la escultura partes huecas. Supone una ruptura con la escultura academicista.
    Julio González es uno de los escultores emblemáticos de este estilo.
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    Pintura que presagia la guerra civil

    La tensión política y social precedente a la Guerra Civil Española se plasmó en múltiples cuadros de los autores contemporáneos, que presentaban símbolos y métodos artísticos que representaban el miedo a una posible guerra y que a la vez rompían con pintura y escultura tradicional.