-
Period: to
Реализм
Реализм — эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. -
Period: to
Романтизм
Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма. Романтики укоряли своих предшественников в «холодной рассудочности» и отсутствии «движения жизни». В 20-30-х годах работы многих художников отличались патетикой, нервной возбуждённостью; в них наметилось тяготение к экзотическим мотивам и игре воображения, способного увести от «тусклой повседневности». -
"Плот "Медузы"" Теодор Жерико
Изображает реальное событие - роковое последствие безграмотного решения французского капитана подойти слишком близко к береговой линии Сенегала. Жерико для усиления драматизма прибегает к кьяроскуро, столь любимому Караваджо (1551-1610), - то есть акцентуации контраста света и тени. В центре композиции - мертвый мускулистый мужчина, лежащий лицом вниз. Но человек, с которого Жерико писал этого персонажа, был художником из высших слоев парижского общества по имени Эжен Делакруа ( 1798-1863). -
Period: to
Преимпрессионизм
-
"Воз сена" Джон Констебл
Принадлежит к серии картин англичанина Констебла (1776-1837), условно называемых «шестифутовыми», показана на парижском Салоне 1824 года. Произвела на Делакруа огромное впечатление. Изображает сельскую сцену на реке Стаур между Суффолком и Эссексом. Выставляется в Лондонской национальной галерее и считается самым известным полотном Констебла, а также одной из наиболее популярных английских картин. -
"Свобода, ведущая народ" Эжен Делакруа
Признана шедевром эпохи романтизма и по праву находится в парижском Лувре. Картина отсылает к событиям июля 1830 года, когда был свергнут Карл Х, последний король из династии Бурбонов. Сюжет был взят современный, но изображение сильно романтизировано: пирамидальная композиция (прием, прежде использованный Жерико в «Плоте "Медузы"») придает фигуре Свободы дополнительное героическое величие (образ впоследствии стал прототипом знаменитой статуи Свободы, подаренной Францией американцам). -
"Дождь, пар и скорость" Уильям Тернер
Впервые представленная на выставке в Королевской академии художеств. В 1871 году, когда Моне жил в Лондоне, в Национальной галерее можно было увидеть эту картину Тернера (1775-1851), новаторский метод которого, похоже, очень вдохновил и повлиял на Моне. Тернер - британский живописец, мастер романтического пейзажа, акварелист. Предтеча французских импрессионистов. -
"Похороны в Орнане" Гюстав Курбе
На картине изображены похороны на новом кладбище в Орнане, которое начало функционировать в сентябре 1848 года. Орнан — город, где родился Курбе. Картина была представлена на Парижском салоне 1851 года и вызвала очень бурную реакцию зрителей и критиков. Главным образом, большинство высказывавшихся считали, что обычные сельские похороны недостойны такого масштабного полотна. -
"Мастерская художника" Гюстав Курбе
Полное название - «Мастерская художника. Истинная аллегория семи лет моей творческой и нравственной жизни». На картине изображены друзья и коллеги автора. Жюри Всемирной выставки 1855 года приняло 11 работ Курбе, но отказало «Мастерской художника». В ответ он с помощью Альфреда Брюйа открыл собственную выставку рядом с официальной экспозицией, положившую начало «Салонам отверженных». Современники не оценили выставку по достоинству, и Делакруа оказался одним из немногих, поддержавших Курбе. -
"Любитель абсента" Эдуард Мане
Это портрет представителя парижских низов - опустившегося пьяницы, жертвы тогдашней модернизации Парижа. Подобную тему Академия (Парижский салон) считала неподобающей. Имея это в виду, Мане (1832-1883) к тому же изобразил бродягу в полный рост, как подобало писать лишь достойных господ. -
"Симфония в белом №1: девушка в белом" Джеймс Макнил Уистлер
Уистлер, американец, (1834-1903) приехал изучать искусство в Париж, где посещал студию, возглавляемую швейцарским художником Шарлем Глейром, у которого в 1860-е годы некоторое время обучались также Моне, Сислей и Ренуар. Там Уистлер был представлен Курбе и впоследствии стал его учеником. Эта композиция диаметрально противоположна тому, что изобразил Курбе. Поговаривали, будто Уистлер, обнаружив, что его подружка ради Курбе сняла с себя все, впал в такую дикую ревность, что покинул Францию. -
"Завтрак на траве " Эдуард Мане
Картина наполнена историко-художественными аллюзиями, которую Академия просто обязана была одобрить. Сюжет и композиция были заимствованы с гравюры Маркантонио Раймонди (1480-1534), за основу которой, в свою очередь, был взят рисунок Рафаэля (1483-1520) «Суд Париса». Картину отвергли, в частности, из-за техники исполнения: Мане даже не попытался сделать хоть какой-то постепенный переход между своими смелыми цветами и поэтому абсолютно провалил задачу по созданию иллюзии объемности. -
Салон отверженных
Выставка, параллельная официальной французской, на которой были представлены полотна и скульптуры, отвергнутые в 1860-х-1870-х годах жюри Парижского салона. Самая значительная выставка состоялась в 1863 году по инициативе императора Наполеона III после того, как методы отбора работ на Парижский салон были подвергнуты всеобщей критике. Большинство статей о салоне в прессе носили негативный характер, и реакция публики была отрицательной. Учасники - Моне, Мане, Ренуар, Базиль или Сислей, Курбе. -
"Олимпия" Эдуард Мане
Будучи выставленной на Парижском салоне 1865 года, картина стала причиной одного из самых больших скандалов в истории искусства. «Олимпия» находится в собственности музея Орсе в Париже. Окутаная историко-художественными аллюзиями, картина должна была понравиться академикам, считавшим изображение идеальной наготы подтверждением величайшего мастерства художника. Но Мане свою обнаженную не идеализировал. На самом деле он взял тициановскую «Венеру Урбинскую» (1538) и превратил ее в проститутку. -
"Происхождение мира" Гюстав Курбе
Картина художника-реалиста Гюстава Курбе, которая долгое время воспринималась как художественная провокация и более 120 лет не выставлялась напоказ. -
"Лягушатник" Пьер Огюст Ренуар
"Лягушатник" - кафе на воде, размещавшееся на
пришвартованном к берегу Сены понтоне. Моне и Ренуар (1841-1919) создали картины с одинаковым названием. Оба художника написали по картине, изображавшей «Лягушатник», где кафе показано практически с одной точки. Однако если Моне больше заинтересован пейзажем и природой, то Ренуар увлечён изображением людей. На картине Моне посетители второстепенны, а у Ренуара наряды написаны особенно тщательно. -
"Лягушатник" Клод Моне
Моне и Ренуар создали картины с одинаковым названием, написанные практически с одной и той же точки. Картина Моне задумывалась как эскиз для большого полотна с прорисовкой деталей, которое, как надеялся художник, будет принято Салоном (на самом деле оно оказалось отвергнуто и в конце концов потеряно). Плох эскиз или хорош, но как образец раннего импрессионизма он просто идеален: стаккато мазков, яркие краски, стремительное письмо и сюжет из современной буржуазной жизни. -
Period: to
Импрессионизм
Основой импрессионистического метода является восприятие и изображение объектов окружающей художника действительности не автономно, а в отношениях к окружающей пространственной и световоздушной среде: рефлексах, бликах, тепло-холодных отношениях света и тени; шире — запечатлеть само пространство и время. Представители: Клод Моне, Камиль Писсарро, Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Эдгар Дега, Берта Моризо, Поль Сезанн (Ботиньольская группа). Позже Поль Сезанн - постимпрессионизм. -
"Темза ниже Вестминстера" Клод Моне
На Моне повлияли: пейзажисты барбизонской школы, Мане, Констебл, Тернер и Уистлер.
Картина до такой степени эскизна, что кажется не в фокусе.
Что стало великим достижением Моне: он сумел полностью
осуществить то, ради чего и написал эту картину - создать эталон импрессионизма. И пусть здания, вода и небо слились в едином расплывчатом ландшафте: отсутствие изощренной детализации вдыхает жизнь в пейзаж, возбуждает воображение зрителя, вовлекая его в происходящее на полотне, подобно фильму. -
"Коляска на скачках" Эдгар Дега
Тут Дега (1834-1917) снова применил приемы японских мастеров. Но теперь по диагонали размещена запряженная коляска с нарядной парочкой зажиточных буржуа, приехавших посмотреть скачки. Коляска и лошади на переднем плане безжалостно обрезаны, прямо по колесам и корпусу, по конским ногам и телам. Сделано это, как и на многих других картинах Дега, включая бесчисленных танцовщиц - грациозных и гибких моделей на пике физической формы - исключительно ради передачи красоты движения. -
"Впечатление. Восходящее солнце" Клод Моне
Картина написана с натуры в старом аванпорте Гавра. В этом городе Моне вырос и впервые осознал себя художником. Картина дала название художественному направлению «импрессионизм». С лёгкой руки журналиста Луи Леруа название произведения стало именем направления, представители которого принимали участие в этой выставке. В своей статье «Выставка импрессионистов» (1874, газета Le Charivari) Леруа написал: «Обои, и те смотрелись бы более законченно, чем это „Впечатление“!». -
"Иней на старой Эннерийской дороге" Камиль Писсарро
Картина «Иней» - одна из самых известных и узнаваемых у Писсарро (1830-1903). Практически все работы, попавшие на скандальную первую выставку художников-импрессионистов (тогда еще никаких не импрессионистов, а просто Анонимного общества художников, скульпторов и граверов) в ателье фотографа Надара, сейчас автоматически причислены к легендарным. Один из самых поразительных эффектов картины – это жесткое вовлечение зрителя в ее пространство. -
"Современная Олимпия" Поль Сезанн
Понятно почему эта картина вызвала такой шквал негодования у публики того времени. Во-первых, это сюжет, бросающий вызов ханжеству эпохи. Во-вторых, это сама манера изображения, использованные краски и манера письма. Привыкшая к «вылизанной» классической живописи публика не смогла сразу перестроиться и принять выразительную и энергичную манеру письма мастера, которая впоследствии стала его «фирменной» чертой и сохранила его имя для потомков как великого художника. -
"Танцевальный класс" Эдгар Дега
Дега строит композицию по диагонали, из левого нижнего угла в верхний правый. И использует чуть приподнятый ракурс, асимметрию, сокращенную перспективу и обрезку картины «по живому». В отличие от Моне и компании он не увлекался живописью на пленэре, предпочитая работу в мастерской. К каждой картине он тщательно готовился, делал сотни эскизов, исполненных интереса к человеческой анатомии. Естественное освещение тоже не очень заботило Дега: в первую очередь он стремился передать иллюзию движения. -
Period: to
Постимпрессионизм
Название дал Роджер Фрай. Его проблемой было отсутствие явного общего знаменателя для творчества каждого из четверых художников. Но он разглядел в них четыре угла в основании только-только возводящегося здания искусства ХХ века, притом что Сера и Ван Гога называют неоимпрессионистами; Сезанн одно время ходил в импрессионистах, а Гогена связывали с символистами (чьи картины изобиловали намеками и недосказанностями). -
Period: to
Примитивизм
В современном искусстве одним из первых приверженцев примитивизма стал Гоген. Такой "Возврат к истокам" в разных странах именовали по-разному: ар-нуво (во Франции), югендстиль (в Германии), Венский сецессион (в Австрии).
Художники и другие мастера стали изготавливать предметы и
картины, в которых преобладал чувственный изгиб, - вещи,
отсылающие зрителя к элегантности древней керамики и простоте природных мотивов. Представители: Анри Руссо, Нико Пиросмани, Екатерина Медведева, Бабушка Мозес. -
"Купальщики в Аньере" Жорж-Пьер Сёра
Сцена написана в ясном фигуративном стиле, без малейших
признаков туманной зыбкости, свойственной импрессионистам. У Сера (1859-1891) и река, и ее берега обрели четкую геометрию. Его краски такие же насыщенные, как у Моне или Ренуара, но нанесены с механической точностью. Картина стала для Сера отправной точкой его художественного пути, который привел его к знаменитым картинам в стиле пуантилизма (или
иначе дивизионизма), когда на холст многочисленными точками наносятся несмешанные краски. -
"Едоки картофеля" Винсент Ван Гог
Это первое, как считается теперь, великое полотно Ван Гога (1853-1890). В те годы он стремился стать художником «крестьянской жизни» - социальным бытописателем. Его крестьяне должны были выглядеть не сентиментально, а реалистично; цветовая палитра и способ изображения должны исподволь говорить о нищенской жизни и скудном рационе. На картине изображены пять человек вокруг стола в маленькой комнате, освещенной лишь тусклой масляной лампой, - сложная композиционная задача для новичка. -
"Стог сена в Живерни" Клод Моне
Клод Моне (1840-1926) поселился в Живерни в 1883 году и написал там множество картин со стогами, включая знаменитую серию «Стога», исполненную в 1889—1891 годах. Но данная картина, входящая в Государственного Эрмитажа, не входит в эту серию, согласно подписи художника она написана в 1886 году. Годом ранее Моне написал этот же вид местности «Поле маков, Живерни». -
"Воскресный день на острове Гранд-Жатт" Жорж-Пьер Сёра
Картина огромных размеров (2×3 м), являющаяся ярким примером пуантилизма. Считается одной из самых замечательных картин XIX столетия периода постимпрессионизма. Картина является частью коллекции Чикагского института искусств. Здесь используется
импрессионистская палитра несмешанных цветов, которые Сера чудесным образом сбалансировал, чтобы создать атмосферу теплой безмятежности. Но эти декорации далеки от импрессионизма: в них нет ни реализма, ни объективности. -
"Гора Сент-Виктуар" Поль Сезанн
Это одна из ранних картин серии. Художник выстроил систему параллельных горизонтальных линий при помощи полей, железнодорожного виадука, крыш домов. А чтобы создать ощущение глубины, он добавил укороченный и обрезанный древесный ствол, тянущийся снизу вверх по всей левой стороне холста. Прием работает в точном соответствии с замыслом Сезанна: создавая иллюзию, будто гора и поля находятся в отдалении.С помощью листвы на ней Сезанн соединяет задний план с передним. -
"Карнавальный вечер" Анри Руссо
Это одна из ранних картин Руссо, хотя он написал её в 42-летнем возрасте. В 1886 году он впервые представил публике эту оригинальную работу на Салоне независимых. Картина вызвала насмешки публики нарочитым построением планов и слишком тщательно выписанными деталями пейзажа. Однако, когда к ней, думая позабавить, подвели Камиля Писсарро, он пришёл в восторг от богатства тонов картины и стал расхваливать творчество Руссо. Благодаря этому Анри Руссо вскоре приобрёл популярность. -
"Подсолнухи в вазе" Винсент Ван Гог
«Подсо́лнухи» — название двух циклов картин нидерландского художника Винсента ван Гога. Первая серия выполнена в Париже в 1887 году. Она посвящена лежащим цветам. Вторая серия выполнена через год, в Арле. Она изображает букет подсолнухов в вазе. Две парижских картины приобрёл друг Ван Гога Поль Гоген. -
"Спальня в Арле" Винсент Ван Гог
Это серия из трёх картин Ван Гога, написанная им в период 1888—1889 годов. Помимо картин, существуют два варианта в эскизах в письмах брату Тео и Гогену. Также одной из отличительных особенностей серии, является то, что художник изображает на полотнах другие свои работы. -
"Видение после проповеди", или "Борьба Иакова с ангелом" Поль Гоген
Ранний образец творчества символиста Гогена (1848-1903) в его постимпрессионистский период. Эта работа Гогена лишь частично относится к реальному миру. В основе картины сюжет о том, как группу бретонок после церковной проповеди посетило божественное видение библейского Иакова, борющегося с ангелом. Выглядят они реалистично - вроде бы ничего особенного. Пока не поймешь, что Гоген использует неяркую палитру в этой части холста, чтобы "оторваться" на другой половине. -
"Желтый дом" Винсент Ван Гог
В своей мастерской в Арле Ван Гог пишет картину «Жёлтый дом» («Улица») и описывает её в письме к брату Тео: «В этом такая мощь — жёлтые дома, освещённые солнцем… Дом слева — розовый с зелёными ставнями, стоящий в тени дерева, а там — ресторан, куда я каждый день хожу есть. Мой приятель — почтальон — живёт в конце улицы, слева, между двумя железнодорожными мостами». -
"Звездная ночь над Роной" Винсент Ван Гог
Хранится в музее д’Орсе, в Париже. Картина изображает место на реке в двух минутах ходьбы от Жёлтого дома на площади Ламартен, который Ван Гог арендовал некоторое время. Впервые полотно выставлялось в 1889 году на ежегодной выставке Салона Независимых художников в Париже вместе с картиной «Ирисы». На выставлении последней настаивал Тео, брат Ван Гога. -
"Нападение в джунглях" Анри Руссо
Французский художник-самоучка Руссо (1844-1910), таможенник, живописью стал заниматься уже в преклонном возрасте, не имея такого образования.После смерти отца Руссо переехал в Париж в 1886 году и впервые показал свои работы широкой публике, участвуя в «Выставке независимых». Уже при жизни в художественном сообществе Франции его высоко ценили за колористическое богатство работ и оригинальные сюжеты (Руссо часто рисует экзотические джунгли, которых он никогда в жизни не видел). Был другом Пикассо. -
"Когда свадьба?" Поль Гоген
Картина «Когда свадьба?» была написана в 1892 году, когда Гоген взял себе таитянскую жену — Техааману (в книге «Ноа Ноа» он называл её Техурой) — тогда ей было 13 лет. В 2015 году картина была продана музейному ведомству Катара за рекордные 300 млн долларов -
"Крик" Эдвард Мунк
«Крик» (созданный норвежский художником-экспрессионистом Мунком (1863-1944) под влиянием Ван Гога) как эмблема экспрессионизма служит своего рода прелюдией к искусству XX века, предвещая ключевые для модернизма темы одиночества, отчаяния и отчуждения. Словно бы заглянув в грядущее столетие мировых войн, революций и экологических бедствий, автор, кажется, отрицает саму возможность какого-либо их преодоления, или трансцендентности -
"Игроки в карты" Поль Сезанн
Серия из пяти картин. Картины отличаются между собой по количеству изображенных игроков и размеру. Семья эмира Катара согласилась купить одну из картин у частного коллекционера за 250 миллионов долларов. Таким образом, картина Сезанна стала самой дорогой из когда-либо проданных на тот момент. -
"Портрет женщины" Анри Руссо
Пикассо купил картину и хранил ее у себя до конца жизни, вспоминая позже, что она «захватила меня как наваждение ... это один из наиболее правдивых психологических портретов во французской живописи». -
"Почему ты сердишься?" Поль Гоген
Типичное полотно второго таитянского периода Гогена. В картине, как всегда, нет мужчин, обычной выглядит и милая пасторальная обстановка. Богатая палитра - золотисто-охристые тона, всевозможные оттенки зеленого, шоколадно-коричневого, ярко-розового и оранжевого, красного и желтого, сочетается и подчеркивается уверенностью мазка, которой нельзя научиться. Его картины, как и скульптуры - психологические драмы, обнажающие печаль и душевную боль, которые мучают его персонажей. -
"Мюнхен. Планегг 1" Василий Кандинский
В своей первой профессиональной картине Кандинский (1866-1944) объединил Моне и Ван Гога. Сиреневое небо - это экспрессионизм Ван Гога, а залитое солнцем поле напоминает об импрессионизме Моне. Кандинский писал в манере "стаккато" - короткими, толстыми мазками - и дорабатывал их мастихином. -
"Стул Макинтоша" Чарльз Ренни Макинтош
Шотландский дизайнер создал свой знаменитый "Стул Макинтоша" с гипертрофированно-высокой, почти двухметровой решетчатой спинкой, больше похожей на лесенку, и вдохновил одного из первых участников художественной группы "Де Стиль", нидерландского дизайнера мебели и архитектора Геррита Ритвельда (1888-1964) на создание своего "Кресла" (1918) - изделия гораздо более простого, но исторически не менее значимого. -
"Гора Сент-Виктуар" Поль Сезанн
Со временем Сезанн ощущает стремление к большей структурности, потребность свести все к немногим формам, освобождённым от всего случайного. Он практически отказывается от иллюзии перспективы, превращая поверхность картины в плоскую цветовую мозаику. Формы стремятся к абстракции: кроны деревьев изображены предельно условно; гора, земля и небо образуют единство, в создании которого ключевую роль играет цвет. В поздних картинах серии часто видят истоки кубизма и абстракционизма -
"Ресторан "Ла Машин" в Буживале" Морис де Вламинк
Вламинк (1876-1958)довел интенсивность цвета до максимума, превратив сельскую идиллию в галлюцинацию. Вламинк использует чистую краску, прямо из тюбика, чтобы экстремальным цветом выразить свои экстремальные ощущения. -
"Женщина в шляпе" Анри Матисс
Эта картина поднимает уровень нонконформизма на новую высоту. Краски на холст брошены настолько небрежно, что портрет выглядит мазней на использованной палитре.
А если учесть, что модель - это жена художника, то поступок
Матисса (1869-1954) выглядит вообще неслыханным. Судя по всему, он прислушался к совету Сезанна писать то, что действительно видишь, а не то, что тебя приучили видеть. После нескольких дней раздумий «Женщину в шляпе» купил эмиrрировший из Америки Лео Стайн, брат Гертруды
Стайн. -
"Натюрморт с яблоками и персиками" Поль Сезанн
Это - один из сотен натюрмортов, написанных художником за сорокалетнюю карьеру, на которых похожие объекты скомпонованы примерно в одном стиле и изображены в двойной перспективе. Тут перспектива принесена в жертву ради правды. Сезанн (1839—1906) показывает то, как мы видим. Он демонстрирует совокупность ракурсов, в которых мы рассматриваем ту или иную композицию. общий план картины куда важнее, чем отдельные элементы. -
"Лодки в порту Кольюра" Андре Дерен
Естественные цвета, перспектива и реализм - со всем этим
Дерен (1880-1954) распрощался ради того, чтобы передать душу порта.
Отрывистые штрихи, напоминающие ранний импрессионизм Моне или пуантилизм Сера, но с гораздо меньшим вниманием к деталям: море у Дерена скорее похоже на мозаичный пол. В результате выходит картина-воспоминание, которая не столько изображает Кольюр, сколько позволяет его ощутить. Смысл ее предельно ясен: порт - жаркий, деревенский, незатейливый и живописный. -
Period: to
Фовизм
Представители: Анри Матисс, Андре Дерен и Морис Вламинк. После их выставки Салона 1905 года критик Луи Восель, человек консервативных взглядов, пренебрежительно сказал, что эти картины писали дикие звери (фp.«les fauves»). Характерный приём фовизма — обобщение пространства, объёма и рисунка, сведение формы к простым очертаниям, исчезновение светотени и линейной перспективы, насыщенные краски. Схож с экспрессионизмом. -
"Счастье жизни" Анри Матисс
Её можно считать квинтэссенцией фовистской живописи. Отправной точкой для Матисса стала пасторальная сцена - давно устоявшийся жанр традиционной пейзажной живописи. Он представил картину, исполненную гедонистического упоения. Этюды к этой картине Матисс написал во время своей недавней поездки в Кольюр с Дереном, но история сюжета гораздо старше. Она восходит к XVI веку, к гравюре Агостино Карраччи (1557-1602) "Взаимная любовь", которая изображает практически такую же сцену. -
"Портрет Гертруды Стайн" Пабло Пикассо
Относится к розовому периоду испанца Пикассо, жившего в Париже. Сначала, неудовлетворённый тем, как получилось лицо, он сказал Стайн, что больше её не видит, когда смотрит на неё. Затем вытер лицо на картине и уехал в Испанию. Осенью, вернувшись в Париж, он быстро завершил портрет, создав новое лицо в прото-кубическом стиле по памяти. Это изменение стиля имело для Пикассо большое историческое значение и показало направление, которому художник следовал шаг за шагом, пока не пришёл к кубизму. -
"Авиньонские девицы"
Первая картина кубического периода Пикассо, с нее начался кубизм. Вдохновением для данной картины, возможно, послужила картина Поля Сезанна «Купальщицы», а также выставка иберийской скульптуры, прошедшая в Париже в 1906 году. Современные художники по-прежнему считают эту работу Пикассо одной из самых значимых в истории искусства. -
"Поцелуй" Густав Климт
Австриец Климт (1862-1918) - пожалуй, довольно известный
художник примитивизма. Влюбленная чета на картине могла быть с таким же успехом изображена на стене пещеры - композиция тут двумерная, а сюжет вечный. На мужчине длинная золотая туника с древним мозаичным узором; женщина в золотом платье, украшенном геометрическими символами. Полотно принадлежит к периоду творчества Климта, названному «золотым»: в это время художник много работал с золотым цветом и настоящим листовым сусальным золотом. -
Period: to
Кубизм
В основе кубизма лежит стремление художника разложить изображаемый трёхмерный объект на простые элементы и собрать его на холсте в двумерном изображении. Так художнику удаётся изобразить объект одновременно с разных сторон и подчеркнуть свойства, невидимые при классическом изображении объекта с одной стороны. Кубизм не подразумевает непременное использование простых геометрических форм. Представители: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метцингер и Хуан Грис. -
"Дома в Эстаке" Жорж Брак
Картина друга Пикассо, фовиста/кубиста Брака (1882-1963). Детали принесены в жертву композиции и связности ее элементов. Когда Брак представил некоторые свои эстакские работы
отборочной комиссии Осеннего салона 1908 года, те были отвергнуты, а затем и осмеяны. Кубизм - это признание двухмерной природы холста и категорическое НЕТ попыткам создания иллюзии трехмерного
пространства -
"Вечер. Красное дерево" Питер Мондриан
Движение к абстракции Мондриан начал там же, где и Татлин: в парижской студии Пикассо. До своего визита в 1912 году голландец писал традиционные пейзажи в стиле фовизма и
пуантилизма. Эта картина - свидетельство влияния на
Мондриана голландских пейзажистов-романтиков XXVII века.
Ее выразительные краски - темно-красные, синие, черные -
подсказывают, что художник заимствовал некоторые приемы
и у другого соотечественника, Винсента Ван Гога. -
"Мурнау. Деревенская улица" Василий Кандинский
Несколько лет спустя живописная манера Кандинского приблизилась к фовизму с его яркими красками и упрощенными формами. Тон задают яркие, смелые цветовые блоки-детали Кандинский отмел в манере Матисса и Дерена. -
"Муза, вдохновляющая поэта" Анри Руссо
Картина Анри́ Жюлье́на Фели́са Руссо́ (1844—1910) по прозвищу "Таможенник"— французского художника-самоучки, одного из самых известных представителей наивного искусства или примитивизма. -
"Скрипка и палитра" Жорж Брак
Брак написал ее спустя год после начала сотрудничества с Пикассо, в начальный период кубизма, называемый аналитическим кубизмом (1908-1911) и предполагающий пристальный анализ объекта и пространства, которое тот занимает. Впервые в истории живописи холст перестает претендовать на роль некоего окна в мир, инструмента для создания оптической иллюзии, и сам превращается в эстетический объект. -
"Импровизации" Василий Кандинский
Кандинский написал серию работ под общим названием «Импровизация» с очевидным музыкальным подтекстом. Художник стремился визуализировать звуковой ландшафт - создать полотна, позволяющие зрителю услышать «внутренний звук» цвета. А для этого следовало дополнительно избавиться от отсылок к реальному миру. По-настоящему абстрактной «Импровизацию IV» не назовешь, хотя не сразу можно понять что она изображает. -
"Кёхель. Прямая улица" Василий Кандинский
На картине«Кёхель. Прямая улица» отказ от деталей зашел еще дальше: только три едва прорисованных деревца и пара худосочных фигур позволяют зрителю понять, что же имелось в виду. Без этих подсказок картина превращается в одеяло из ярких разноцветных лоскутов: оранжевого (дома), желтых и красных (поля), голубых (дорога) и темно-синих (гора). -
Period: to
Футуризм
В отличие от прежних направлений, футуризм с самого начала был откровенно политическим течением. Скандально известному итальянскому литератору Маринетти под свой манифест удалось завербовать таких итальянских художников, как Умберто Боччони, Карло Карра, Джино Северини и Джакомо Балла. От художников требовалось изобразить динамизм современной жизни или по крайней мере передать его ощущение. Маринетти лишь воспел красоту и агрессивный напор машины, а художники - отобразили. -
"Первый шаг" Франтишек Купка
Купка (1871-1957), чешский художник, большую часть жизни проживший в Париже, был участником кубофутуристического движения, которое Аполлинер назвал орфизмом."Первый шаг"--одна из первых его пробных вылазок в мир абстрактного искусства; картина ни о чем; она совершенно абстрактна. Это попытка исследовать наши взаимоотношения с космосом и Вселенной: визуальный образ взаимосвязанности Солнца, Луны и планет.. Вместо сюжета Купка просто излагает на холсте некоторые свои мысли. -
"Состояние души: Прощание" Умберто Боччони
Это вторая картина триптиха. Здесь стоящему под парами мощному паровозу Боччони присвоил номерной знак в графической манере, придуманной Браком и Пикассо. Сюжетом картины стали встречи людей на вокзале - встречи и проводы. Здесь объятия, окутанные паром; вагоны и поля, электрические мачты на фоне заходящего солнца. Это будущее людей, каким увидел его художник: управляемое электричеством и машинами, стремительное и не ведающее пределов. Будущее в развитии. -
"Импрассия III (Концерт)" Василий Кандинский
В январе 1911 года художник отправился в Мюнхен послушать атональную музыку венского композитора Арнольда
Шёнберга (1874-1951). Кандинский был потрясен услышанным и той же ночью сел писать картину. Через два дня работа была закончена. Большой черный треугольник в правом верхнем углу символизирует рояль, который словно магнитом притягивает публику (в левом нижнем углу). Рояль и слушатели соединяются в единую линию, перерезающую картину по диагонали. -
"Картина с кругом" Василий Кандинский
Первое полностью абстрактное произведение Кандинского. Полотно размером почти полтора метра на метр наполнено буйством цвета и не поддается логическому толкованию."Картину с кругом" он задумывал как аналог музыкальной партитуры: совершенно абстрактную и именно в силу этого звучную.Художник написал эту картину в том же году, что и книгу "О духовном в искусстве", в которой изложил много своих теорий, в том числе и теорию цвета. -
"Синий всадник"
После ссоры с мюнхенским авангардом, Кандинский основал собственный клуб - "Синий всадник". Слово "синий" в названии было символически важно: для участников объединения этот цвет обладал уникальными духовными свойствами: он осуществляет синтез внутреннего - сферы чувств и интуиции - с внешним миром и Вселенной. "Всадник" тоже был символом. Участников (Робер Делоне, Арнольд Шёнберг, Франц Марк и Август Маке, позже Пауль Клее) объединяла любовь к лошадям, родившаяся из их увлеченности фольклором. -
"Состояние души: те, кто уезжают" Умберто Боччони
На картине - люди, отправляющиеся в путешествие на поезде, у Боччони они охвачены «одиночеством, болью и смятением». В угловатых, упрощенных геометрических формах явственно прослеживается влияние кубизма. Техника нарезки объектов и их склейки в накладывающиеся друг на друга конструкции созвучна Пикассо и его наложением плоскостей, как и насыщенная палитра и осколочная композиция. Но атмосфера иная: отчетливо-футуристическая. Своей эмоциональностью картина отличается от трезвости кубизма. -
"Состояние души: Те, кто остаются" Умберто Боччони
Картина лишена насыщенного цвета и энергии первых двух полотен. Это почти монохромный образ поражения. Призрачные фигуры устало бредут со станции, частично скрытые полупрозрачной завесой вертикальных линий, намекающих на холодный дождь. Они возвращаются к несчастливому прошлому, где уже не будет любимых, которые устремились на поезде в будущее. Фигурки, изображенные в кубистском стиле, наклонены под углом 45 градусов, как будто вот-вот рухнут под тяжестью своего старомодного существования. -
"Динамизм собаки на поводке" Джакомо Балла
Симпатичная, хотя и довольно нелепая картина Джакомо Балла (1871-1958) изображает собаку и хозяина со множеством ног, что должно означать движение. -
"Натюрморт с цветами" Хуан Грис
Соотечественник Пикассо, он тоже перебрался в Париж и начал формировать собственный вариант кубизма, более стилизованный и гладкий. Грис (1887-1927) использует кубистическую технику, дробя объекты и пространство, а затем складывая в ином порядке чуть видоизмененные фрагменты того и другого -
"Натюрморт с плетеным стулом" Пабло Пикассо
Верхняя часть овальной картины - кубизм в чистом
виде. Однако нижняя половина совсем другая. Пикассо налепил на холст кусок дешевой клеенки. Узор на клеенке напоминает сиденье плетеного стула. Картину Пикассо обрамил куском витого шнура. Включение настоящей клеенки в картину стало прорывом. Зритель не был готов к тому, что художник просто возьмет предмет обихода и физически поместит его на холст: это нарушало все правила взаимоотношений искусства и жизни. -
"Блюдо с фруктами и стакан" Жорж Брак
Для картины Брак вырезал и наклеил на холст обои «под дерево». Поверх обоев он нарисовал углем блюдо с фруктами в кубистском стиле и стакан. с этого и начинается концептуальное искусство. Аналитический кубизм превратился в синтетический. Брак и Пикассо сделали очередное открытие: они изобрели коллаж. -
"Гитара" Пабло Пикассо
Испанский художник ·сделал трехмерное подобие гитары, склеив куски картона, проволоки и струн. Это был окончательный разрыв с традицией. Отныне предметом искусства могло стать что угодно. Изобретения Пикассо и Брака
в смешанной технике, соединяющей «низкие», бытовые предметы и высокое искусство, повлекли за собой как немедленные, так и долгосрочные последствия. -
"Синхронный диск" Робер Делоне
"Синхронный диск" вдохновил немецкий авангард, а позже и американский абстрактный экспрессионизм. Здесь вообще нет аллюзий на физические объекты, будь то космические или еще какие. Объектом художник избрал цвет. Делоне избрал цвет единственным предметом изображения и попытался создать зрительный образ, испускающий гармонические цветовые волны, - что-то аналогичное музыке. В этом и состояла сверхзадача орфизма, недаром названного в честь легендарного древнегреческого поэта и музыканта. -
"Серое дерево" Питер Мондриан
Началось пробуждение Мондриана-абстракциониста; чувствуется влияние увиденных в парижской студии кубистических картин. На этот раз палитра куда более мрачная. Тональные градации серого копируют мрачные оттенки, которыми увлекались Брак и Пикассо периода аналитического кубизма. Очертания дерева упрощены ради композиционной структуры, поскольку пространственная глубина здесь напрочь отсутствует. -
"Цветущая яблоня" Питер Мондриан
Тут Мондриан продвинулся по пути абстракции еще дальше. Художник использовал охристо-серую палитру Брака. Ветки дерева очень стилизованные, без деталей - серия коротких и толстых черных, мягко закругляющихся линий, некоторые из которых сливаются, образуя сеть из эллиптических ячей, горизонтально плывущую по холсту. Сеть привязана к нескольким черным вертикалям, придающим картине стройность. Перед нами сквозной двумерный орнамент. -
"Моя красавица" Пабло Пикассо
Это портрет Марсель Умбер, возлюбленной Пикассо. Очертания ее головы и тела можно угадать в нагромождении форм, доминирующем в центральной части полотна. Справа, ближе к нижней части картины, - шесть гитарных струн, которые она тихонько перебирает. Введение текста - это было смело. -
"Команда Кардиффа" Робер Деллоне
Картина французского кубиста Деллоне (1885-1941)
сочетает в себе и кубистские, и футуристические черты (и названа орфизмом). Несколько действий, происходящих в разное время и разных местах, соединены вместе: еще пример футуристической симультанности. Это соединение напоминает кубистский коллаж. Но почерк Делоне отличается от эстетики как кубизма, так и футуризма. Здесь нет ни динамики, ни яростной футуристической живописи, а для канона Брака или Пикассо картина чересчур красочна. -
"Композиция VII" Василий Кандинский
Это вершина серии и высшая точка художественной
биографии автора. Крупнейшая (2 х 3 метра) из его работ блистательно увенчала годы штудий, эскизов и художественных исследований. Теперь Кандинский знал, что абстракция и есть тот магический ингредиент, который позволяет создать картину, сопоставимую с симфонией. Не предлагая никаких визуальных подсказок, "Композиция VII" требует от зрителя приятия
ее собственных условий. -
"Корова и скрипка" Каземир Малевич
Казимир Малевич (1878-1935) написал картину-манифест под названием "Корова и скрипка" в общем-то типичный кубофутуризм с многочисленными наплывающими друг на друга плоскостями и скрипкой на переднем плане, ничего необычного."Корова и скрипка" - предвестница и дадаизма, и сюрреализма. -
"Уникальные формы непрерывности в пространстве" Умберто Боччони
Скульптура Боччони (1882-1916) весьма хороша и прекрасно воплощает художественную задачу футуризма - соединить человека и механизированную среду обитания в энергичный образ скорости и прогресса. Скульптура изображает шагающего киборга - получеловека-полумашину. Именно такие композиции сделали слово «футуризм» ярлыком по умолчанию для всякого восторженного воспевания технического прогресса. -
"Картина No 2 / Композиция No 7"
Объект - все то же дерево. Мондриан разбил объект на крошечные фрагментированные плоскости, так что изображение напоминает потрескавшееся от солнца дно пересохшего африканского озера. Более того, он выкорчевал дерево из земли и оставил плавать в пространстве, убрав все визуальные подсказки. Цвета приглушенные, за исключением сияющего желтого, который словно вырывается за границы полотна. И, по-видимому, призван символизировать первичность духовного начала. -
"Мечеть в Хаммамете" Пауль Клее
В 1914 году немец/швейцарец Клее (1879-1940), который восхищался кистью Кандинского, отправился в Тунис писать маслом, и это изменило и его самого, и его творчество. Картина как бы состоит из двух половин, соединенных переходами нежных оттенков розового. В верхней угадывается Хаммамет - маленький городок на северо-западе Туниса. Видна мечеть и зеленые деревья под сияющим светлоголубым небом. Нижняя половина ближе к абстракции. -
"Композиции VI" Питер Мондриан
Религия и духовность - сюжет "Композиции VI", знаменующей завершение пути Мондриана к чистой абстракции. Тут изображена церковь, хотя, глядя на картину, об этом не догадаешься.На религиозную тематику указывает присутствие трех черных линий в форме заглавных «Т» в центре холста: их можно принять за христианские кресты. Вскоре Мондриан отбросит и эти последние остатки визуальных отсылок к знакомым предметам и сосредоточится исключительно передачи ощущения трансцедентальной гармонии. -
"Песня о любви" Джорджо де Кирико
Поскольку слова "сюрреалистический" в ту пору не
существовало, итальянец Кирико (1888-1978) называл свои странные картины "метафизическими". Стилизованные изображения, нелогичная перспектива, резкие тени вызывают ощущение жути, которое усугубляется полным
отсутств:И:ем людей. В то же время многое указывает на человеческое существование. -
Period: to
Вортицизм
Вортицизм представлял собой исключительно английскую культурную ветвь модернизма. В 1914 году несколько английских художников, Перси Уиндхем Льюис, Лоуренс Аткинсон, Дэвид Бомберг и поэт Эзра Паунд, создают художественное объединение, основанное на понимании решающей роли индустриального процветания и мегаполисов в будущем европейской цивилизации. Вортицизм боролся с реалистическими тенденциями, отрицал моральный аспект искусства и настаивал на автономности каждого художественного творения. -
"Перфоратор" Джейкоб Эпстайн
Скульптура англичанина Эпстайна (1880-1959), которая выглядит футуристической даже сегодня, хотя появилась еще в 1913 году. Двухметровый исполин - не то робот-рептилия, не то человек-машина - оседлал настоящий перфоратор для горных работ. Пример вортицизма - авангардного искусства Англии, близкого к футуризму. -
"Супрематизм" Каземир Малевич
Картина соединила в себе многие излюбленные мотивы Малевича. Здесь нет узнаваемых житейских сюжетов; картина - о чувстве, которое она вызывает у зрителя. И это чувство, судя по взаимодействию форм в пространстве белого фона, связано с постоянным движением повседневности во Вселенной. Каждый отдельный цветовой блок в картине влияет на внешний вид других блоков. Для Малевича супрематизм был чистым искусством, когда цвет и форму диктует сама краска, а не формы натуры. -
"Угловой контррельеф" Владимир Татлин
Харьковчанин Владимир Татлин (1885-1953) - одна из самых авторитетных фигур русского авангарда наряду с Малевичем. Оба были влиятельными членами "Союза молодежи" - петербургского объединения художников-новаторов. К тому времени, когда состоялась выставка «0,10», оба уже ненавидели друг друга. Татлин создал скульптуру специально для угла выставки, куда Малевич повесил свой "Черный квадрат", с соответствующим названием «Угловой контррельеф». Поэтому давнее соперничество переросло в драку. -
Последняя футуристическая выставка картин «0,10»
Художественная выставка, проходившая на Марсовом поле в Петрограде. На выставке были показаны работы Казимира Малевича и его соратников, представивших новое направление в русском авангарде — супрематизм. Выставка была названа так из-за желания организаторов завершить футуристический период в русской живописи и обозначить переход к супрематизму. Ноль в названии означает отсутствие предметных форм в супрематизме. Десять означало количество художников, планировавших участвовать в выставке. -
"Черный супрематический квадрат" Каземир Малевич
Вдохновленный собственной сценографией в "Победе над Солнцем", он взял квадратный холст размером 79,5 х 79,5 см, полностью закрасил его белым, а затем изобразил большой черный квадрат в середине. Само название работы - сухое, буквальное - уже провокация: Малевич словно предлагает зрителю не искать в картине никакого дополнительного смысла: здесь ничего не увидишь, кроме того, что есть в названии и изображено на полотне. Малевич говорил, что на картине все явления мира сведены к огромному Нулю». -
Period: to
Супрематизм
Малевич, основатель движения, назвал его супрематизмом (от лат. supremus — наивысший), формой чистой абстракции: в этой живописи уже не было абсолютно никакой описательности, только "верховенством чистого чувства". Супрематические картины Малевича состоят из одной или нескольких плоских геометрических фигур на белом фоне. В 1919 году Малевичем и его учениками была создана группа УНОВИС (Утвердители нового искусства). Председателем Творкома (Творческого комитета) УНОВИСа был Лазарь Хидекель. -
"Квадраты, размещенные согласно законам вероятности" Жан Арп
Жана Арпа (1886-1966), одного из основателей дадаизма, вдохновили увиденные в Париже коллажи Пикассо и
Брака. Он считал, что достаточно попросту насыпать кусочки материала на полотно, предоставив композицию на усмотрение случаю. Он порвал лист синей бумаги на неровные прямоугольники разных размеров, затем повторил это с бумагой кремового цвета. После чего высыпал клочки на лист картона и наклеил там, где они приземлились. -
"Фонтан" Марсель Дюшан
Наиболее известный реди-мейд, который является обыкновенным писсуаром с подписью «R.Mutt» (Р. Дурак). Он был представлен как «фонтан» для выставки Общества независимых художников, однако на показ работа не была выставлена. Был сфотографирован в студии Альфреда Стиглица. Фото было опубликовано в журнале The Blind Man. Считается важной вехой направления искусства XX века и признан величайшим произведением своей эпохи. Сегодня в нескольких музеях представлены копии писсуара. -
Period: to
Неопластицизм
Это концепция геометрического абстракционизма, сформулированная Питером Корнелисом Мондрианом, который вместе с Тео ван Дусбургом основал журнал и объединение «Де Стиль», который стал органом неопластицизма — утопии новой пластической культуры, создаваемой «первичными элементами»: линиями, геометр. фигурами, основными цветами спектра. Эта концепция повлияла на всю европейскую и американскую архитектуру в лице Людвига Мис ван дер Роэ, дизайн интерьеров и мебели, в частности мастеров Баухауса. -
"Клином красным бей белых!" Эль Лисицкий
Один из самых знаковых плакатов современности, мощный и понятный, классический пример агитации. Становление Эля Лисицкого (1890-1941), бывшего архитектора, протекало в бурной послереволюционной России. Формы и стиль беспредметного искусства находят применение в образной, символической графике. Лисицкий прибег к ним, чтобы подтвердить правоту Малевича и Татлина: кажущиеся тривиальными формы при условии грамотной, талантливой компоновки и в самом деле вызывают эмоциональный отклик у зрителя. -
"Вращение" Курт Швиттерс
Эта абстрактная картина Курта Швиттерса, которого (1887-1948) Арп приобщил к философии дада, сделана из щепок, металлической стружки, обрывков кабеля, клочков кожи и разномастных картонок, выложенных на холсте. "Мусорная" композиция обладает геометрической утонченностью конструктивистской живописи. Швиттерс сделал сотни подобных коллажей и дал им общее название "Мерц". -
Period: to
Баухаус
Это учебное заведение в Германии, а также художественное объединение и соответствующее направление в архитектуре. Лозунг - «функционализм», то есть что утилитарно, удобно, то и красиво. Программа охватывала все виды пластических искусств, связанных с оформлением материально-бытовой среды под эгидой архитектуры, со стиранием грани между художником и ремесленником. Преподаватели: Г. Байер, Й. Альберс, Н. Габо, В. Гропиус, И. Иттен, В. Кандинский, П. Клее, Л. Мохой-Надь, Л. Мис ван дер Роэ. -
"Башня Татлина", или "Памятник III Интернационалу" Владимир Татлин
Татлин спроектировал здание, так никогда и не построенное, однако принесшее направлению всемирную славу. Это сооружение из стекла, железа и стали высотой 400 метров должно было заявить миру: Советская Россия - величественнее, лучше и современнее всех прочих стран. Ее предполагалось построить в Петрограде, на северном берегу Невы; венчал башню цилиндр с суточным периодом вращения - оттуда предполагалось транслировать коммунистическую пропаганду на весь мир. -
Выставка "5х5 = 25"
Состояла из пяти работ пятерых художников-конструктивистов Москвы. В ней участвовали Радченко и Попова из когорты Татлина, - но не он сам. Радченко выставил триптих "Гладкие доски" монохромных полотен: "Чистый красный цвет", "Чистый синий цвет", "Чистый желтый цвет" - под общим названием "Последняя картина", или "Смерть живописи". Каждый монохромный холст был попросту окрашен в цвет, указанный в названии. Так, по словам Радченко, происходит, когда "живопись
доведена до логического конца". -
"Слон Целебес" Макс Эрнст
Сюрреалистическое порождение буйной фантазии дадаиста Эрнста (1891-1976), друга Жоана Миро, является отражением его восприятия мира после Первой Мировой Войны. В картине отмечаются четкие следы военного прошлого. Андре Бретон оценил, как Эрнст сумел объединить несовместимые объекты и антураж, написав будоражащую картину во фрейдистском духе. -
"Три женщины" Фернан Леже
Фернан Леже (1881—1955) — французский живописец-кубофутурист и скульптор, мастер декоративного искусства, член компартии. -
"Красно-синее кресло (стул)" Геррит Ритвельд
Красно-синий стул имеет все элементы, которые отличают произведения входивших в «Де Стиль» художников: стандартная цветовая палитра, геометрические фигуры как основа композиции, сочетание ярко выраженных горизонтальных и вертикальных плоскостей неопластицизма Модриана. Созданный в 1918, свою характерную цветовую гамму стул приобрёл в 1923 году. Ритвельд отверг традиционное мнение, что предметы мебели должны быть мягкими, позволяющими утонуть в себе. -
"Мерцбау" Курт Швиттерс
Первый Мерцбау (иными словами, сооружения из мусора) Швиттерс построил у себя дома в Ганновере. Это фантастический гибрид скульптуры, коллажа и здания. Это была пещера-свалка, полная всевозможных остатков и останков, собранных неизвестно где и у кого. Швиттерс считал дом кульминацией своего творчества и продолжал строить новые комнаты, добавлять «детали» из выброшенных и похищенных материалов, и так вплоть до середины 1930-х годов, когда ему пришлось бежать от нацистов. -
"Дом Шрёдер" Геррит Ритвельд
Этот дом в Утрехте, названный так по имени заказчицы, богатой вдовы Трюс Ш рёдер, теперь входит в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО. Трюс Шрёдер поручила Ритвельду построить дом с фасадами, переходящими в интерьер, и без традиционного деления на комнаты. Женщина, как и Ритвельд, разделяла воззрения Мондриана. Интерьер продолжает в том же стиле неопластицизма. -
Period: to
Сюрреализм
-
"Карнавал Арлекина" Хуан Миро
Хуан Миро (1893-1983) впервые побывал в Париже в 1920
году, когда посетил фестиваль дада и навестил Пикассо. А на первой выставке сюрреалистов в галерее Пьера в Париже, его работа уже висела рядом с картинами земляка, Пабло Пикассо. В ней присутствуют многие элементы, характерные для живописи Миро. Есть биоморфные формы, волнистые линии, много черного, красного, зеленого и синего - все, что ассоциируется с детской наивностью. Бретон сказал о
Миро, что тот "самый сюрреалистический из нас всех". -
"Три танцора" Пабло Пикассо
Произведение считается первой работой Пикассо в стиле сюрреализма. Оно знаменует собой формирование нового приёма изобразительности, полного драматизма и эмоциональности. Пикассо разрешил бывшему поэту, Андре Бретону, опубликовать репродукцию в его сюрреалистическом трактате о живописи. Поэт уже включил примитивистский мистицизм "Авиньонских девиц" Пикассо в свой канон сюрреализма и обрадовался возможности добавить туда еще один мрачный шедевр. -
"Лес и голубь" Макс Эрнст
Эрнст разработал собственный способ создания «автоматического искусства» - фроттаж. Это техника позволяет перевести текстуру материала на положенную сверху бумагу, растирая ее грифелем или карандашом. Фроттаж позволил художнику изобразить зловещий лес вроде того, куда отправились Гензель и Гретель. В центре картины - зажатая со всех сторон безжалостными деревьями клетка с голубем. Это детское воспоминание Эрнста. -
"Убийца под угрозой" Рене Магритт
Бельгийский художник Магритт (1898-1967) нарисовал ее в самом начале своей сюрреалистической карьеры. На первый взгляд она выглядит реалистично, но чем дольше вы на нее смотрите, тем более театральной она делается, уходя все дальше за пределы реализма. -
"Примат материи над мыслью" Ман Рэй
«Примат материи над мыслью» воплощает многое из того,
что занимало сюрреалистов: секс, сны и страхи. Это одна их первых работ, выполненная методом "соляризации" - под недолговременным воздействием света на фотографию, когда та еще находится в проявке. -
"Постоянство памяти" Сальвадор Дали
Испанец Дали (1904-1989) писал ее в течение двух лет после вступления в ряды сюрреалистов. Это картина о половом бессилии (великий страх Дали), беспощадности времени и унизительности смерти. Написанию картины, по-видимому, могли способствовать ассоциации, возникавшие у Дали при виде плавленого сыра. Здесь присутствует и сам Дали в виде спящей головы. -
"Завуалированная эротика" Ман Рэй
Серия сюрреалистических фотографий Маи Рэя "Завуалированная эротика", в которой Мерет Оппенгейм позирует обнаженной, с рукой, по локоть вымазанной чернилами, у печатного пресса: одновременно соблазнительная и отталкивающая. -
"Композиция С (No III) с красным, желтым и синим" Питер Мондриан
Это «классический» Мондриан (1872-1944). Разреженная решетка -- это важная деталь: голландец Мондриан стремился показать вечное движение жизни, и это ощущение, как он чувствовал, можно передать, варьируя толщину черных линий. Равновесие, напряженность и равенство - это для Мондриана всё. В искусстве формы и цвета имеют разные характеристики и положение, но они равноценны. Его творчество - политический манифест, призывающий к свободе, единству и сотрудничеству. -
"Объект" ("Завтрак в меху") Мерет Оппенгейм
Эта работа, сделанная швейцарской художницей Мерет Оппенгейм (1913-1985), была выставлена в "Выставке 31 женщины" в 1943 году. Мерет было всего двадцать два, когда она создала "Объект", а вдохновил ее на это Пабло Пикассо, обронив случайную фразу за столиком парижского кафе. Он сделал комплимент молодой художнице по поводу ее шубы и игриво заметил, что многие штучки ему нравятся гораздо больше, когда на них мех. Оппенгейм откликнулась вопросом: "даже эта чашка с блюдцем?". -
"Ангел домашнего очага, ил триумф сюрреализма" Макс Эрнст
По словам художника, смысл этой картины вполне очевиден: «"Ангел очага и дома" — это ироническое название чудовищного создания, которое идет, сметая все на своем пути. Здесь я попытался передать свое предчувствие того, что вскоре может случиться со всем этим миром».Так художник изобразил нацизм, захватывающий всю Европу. -
"Автопортрет "Рама"" Фрида Кало
Кала стала первым мексиканским художником ХХ века, чью
работу приобрел Лувр. Это был "Автопортрет "Рама"" (1937-
1938), с чем ее и поздравил Марсель Дюшан - единственный ее друг из сюрреалистов. -
"Автопортрет: Постоялый двор лошади Утренняя Заря" Леонора Каррингтон
Подруга Кало, британская сюрреалистка Леонора Каррингтон (1917-2011), - та самая Леонора Каррингтон, муза Макса Эрнста, которую Сальвадор Дали называл "самой значимой женщиной-художницей". Эта ее картина - сюрреалистическая смесь реального увлечения художницы лошадьми и ее странных грез с отголосками прочитанных в юности кельтских сказаний. -
"Сон" Фрида Кало
Мы видим мирно спящую Фриду (1907-1954); вокруг нее растет куст. Ветки куста усыпаны шипами, и это метафора постоянных болей, от которых художница страдала после автокатастрофы. Символизм Кало свидетельствует о значимости народного искусства в ее творчестве. Фигура над героиней - Иуда, списанный с обвязанных петардами кукол, которые мексиканцы взрывают во время пасхальных праздников. В живописи мексиканская традиция взрывать куклу Иуды - метафора избавления страны от коррупции. -
"Птица в космосе (пространстве)" Константин Бранкузи
Это цикл скульптур румынского скульптора Константина Брынкузи, над которым он периодически работал в течение 28 лет. Символизм полета здесь отражает побег из мира повседневности в трансцендентный мир. Бранкузи (1876-1958) -- французский скульптор румынского происхождения, один из главных основателей стиля абстрактной скульптуры, ярчайший представитель парижской школы. -
"Стенографическая фигура" Джексон Поллок
Джексон Поллок (1912-1956) -- американский художник, идеолог и лидер абстрактного экспрессионизма. Эта картина -- не абстрактная работа, нет в ней ничего и от знаменитой "капельной живописи", которую он впоследствии будет развивать и сделает своим фирменным стилем. Картина многим обязана Пикассо, Матиссу и Миро - трем европейским художникам, которых Поллок ценил выше всех. -
"Полуночники" Эдвард Хоппер
Американский художник-реалист Эдвард Хоппер (1882-1967). Он умел вовлечь зрителя в мир надвигающегося мрака и обреченности, изображая одинокие и беззащитные фигуры в пустых и заброшенных пространствах. За дружелюбной и беспечной застольной болтовней каждый из нас прячет
одиночество и ранимость; но эта правда настигает нас, когда
мы оказываемся одни, наедине с собственным ужасом. Хоппер в своих картинах сумел объективировать эти страшные мысли. -
"Выставка 31 женщины"
В 1943 году в Нью-Йорке за инициативой Марселя Дюшана прошла одна из первых выставок, в которой принимали участие только женщины-художницы. Среди участниц выставки были художницы 16 национальностей. Среди них были достаточно известные в наше время сюрреалистки Фрида Кало, Леонор Фини, Дороти Таннинг, Леонора Каррингтон, Кей Сэйдж,Жаклин Ламба, Мерет Оппенгейм, дадаистки Софи Тойбер-Арп и Эльза фон Фрейтаг-Лерингховен, скульптрисса Луиза Невельсон, танцовщица Джипси Роуз Ли и другие. -
"Фреска" Джексон Поллок
Это гигантское панно, 2,5 х 6 метров, обладает многими признаками раннего абстрактного экспрессионизма, который на том этапе был пронизан исключительно грубой физикой, «жестом» нанесения краски на холст. Работа создает ощущение согласованности и ритма. Более спокойный, созерцательный стиль придет позже, но началось все с «живописи действия» Поллока. Он описал картину как "паническое бегство животных Дикого Запада". -
"Волчица" Джексон Поллок
Это произведение опирается на миф о Ромуле и Реме, близнецах - основателях Рима, вскормленных волчицей. Поллок усилил примитивность намеренно грубым исполнением. Профиль волчицы обведен белым и подчеркнут черной линией. Фон - голубовато-серый, с пятнами. Волчица больше похожа на старую корову, как бы ее увидел пещерный человек, и это, возможно, попытка Поллока, вдохновленного Юнгом, пробиться в коллективное бессознательное и создать образ, который воссоединит нас с первобытным прошлым. -
"Я была игрушкой богача" Эдуардо Паолоцци
Картинки, вырезанные из глянцевых журналов, Паолоцци наклеил на ободранный кусок картона. Обложка журнала "Интимные признания" занимает три четверти изображения. В пузыре белого дыма, извергающегося из дула пистолета,
ярко-красные буквы: "Поп!", передающие хлопок выстрела. Пожалуй, впервые это слово было использовано в контексте произведения изобразительного искусства, и учитывая, так сказать, потребительский характер сюжета, само произведение может рассматриваться как первый образец поп-арта. -
"Полная Морская сажень Пять" Джексон Поллок
Одна из самых ранних «Капельных» картин, была включена в экспозицию. Ныне принадлежащая МоМА, подаренная музею Пегги Гуггенхайм, она описана как «Холст, масло с гвоздями, кнопками, пуговицами, ключом, монетами, спичками и пр.». Реверанс Поллока в сторону Брака и Пикассо с их коллажами и Швиттерса с его «Мерц» очевиден. Воспользовался он и дадаистской техникой «спонтанности» Арпа. Это в высшей степени абстрактная вещь и экспрессивная: ярость, выплеснутая на холст. -
"Картина" Виллем Де Кунинг
"Картина" Кунинга (1904-1997) -- черно-белая абстракция, выполненная эмалью и масляной краской. Она похожа на старую школьную доску, разрисованную мелом. Но присмотревшись, можно увидеть, как белая краска, которой де Кунинг очертил переплетающиеся черные фигуры, плавно переходит в серый цвет. -
"Onement I" Барнетт Ньюман
Это маленький красный прямоугольник, посередине которого Ньюмен (1905-1970) вертикально поместил полоску клейкой ленты (так художники обычно закрывают те поверхности холста, на которые не надо наносить краску). Он сделал оба края ленты темно-бордовыми. Отступил на шаг назад. И вдруг решил, не снимая ленту, а прямо поверх нее наложить мастихином светло-красный кадмий. Ньюман пришел к выводу, что наконец создал картину, которая как нельзя лучше отражала его личность. -
"Без названия" Марк Ротко
Ротко (1903-1970) создал ранний образец того, что впоследствии станет его фирменным стилем. На полотне изображены горизонтальные прямоугольники разных оттенков;
прямоугольники слегка сливаются друг с другом.
Обращение Ротко с геометрической формой заметно отличается от того, что делали русские конструктивисты и супрематисты. У тех линии были острыми и угловатыми, а у Ротко они мягкие и расплывчатые, для него важнее гармония цвета. -
"Осенний ритм номер 30" Джексон Поллок
Восхождение Джексона Поллока, нью-йоркского бунтаря
от искусства, на мировой Олимп ускорил фотограф немецкого происхождения Ганс Намут (1915-1990). Он, как и многие
другие, находил работы Поллока не слишком убедительными,
но его приятель, считавший американца гениальным, уговорил Ганса встретиться с художником. Черно-белые снимки впервые запечатлели технику "капельной живописи". -
"Раскопки" Виллем Де Кунинг
Художник представил слегка окрашенные наплывающие друг на друга формы, с каллиграфической точностью обведенные черной краской. Непонятные формы сталкиваются в толчее переполненного танцпола, где в эйфории извиваются тела, изредка разделенные вспышками голубой, красной или желтой краски. Вроде бы радостная сцена, если, конечно, вы не страдаете клаустрофобией. Но стоит вам внимательнее вглядеться в изображение, ощущение веселья проходит, сменяясь мрачным предчувствием. -
"Vir Нeroicus Sublimis" Барнетт Ньюман
Это монохромное полотно 5,5 х 2,5 метра, окрашенное
красным цветом с пятью "молниями" в разных частях холста. Посетителям галереи Ньюман дал инструкции, написав их на листке бумаги и прикрепив возле полотна, приглашая подойти ближе: "Большие картины принято смотреть на расстоянии. На этой выставке большие картины следует рассматривать вблизи". Название означает "муж героический и возвышенный". Полотно призвано вызвать эмоции на ошеломляющий своим величием трансцендентальный пейзаж. -
"Белые картины" Роберт Раушенберг
Это пародия на абстрактный экспрессионизм, реверанс в сторону знаменитой супрематистской картины Малевича "Белое на белом"(1918) и эксперимент самого Раушенберга: "насколько далеко можно уйти от объекта, чтобы он по-прежнему что-то значил". Они были задуманы не как пробуждающие беспокойство: эспрессионистские полотна, а как объекты, оживающие под влиянием каких-то внешних случайностей, -- упавшей на холст пылинки, или тени зрителя, или луча света. Роберт называл их "иконами эксцентричности". -
"Австралия" Дэвид Смит
Это скульптура Дэвида Смита (1906-1965) из стальных прутьев. Смит был «живописцем действия», начав свою трудовую жизнь сварщиком по металлу. Его абстрактные коллажи из спаянной стали и железа были, наверное, самыми оригинальными скульптурами эпохи, а «Австралия» доказала его желание бросить вызов фигуративной традиции, связанной понятием посредничества. Дэвид Смит как-то сказал, что «не знает, где та грань, за которой заканчивается картина и начинается скульптура». -
"Женщины" Виллем Де Кунинг
Это серия из шести картин, написанных в период между 1950 и 1953 годами. Все они яркие, выразительные, выполнены более свободными и грубыми мазками. "Женщины" примечательны и тем, что это не абстракция в чистом виде. Создать серию "Женщины" художника подтолкнуло желание пересмотреть и обновить идею женской наготы. Когда серия "Женщины" была показана в нью-йоркской галерее Сидни Дженис в 1953 году, нападки на де Кунинга посыпались со всех сторон. -
"Стертый рисунок де Кунинга" Роберт Раушенберг
Раушенберг трудился больше месяца, кропотливо стирая ластиком рисунок де Кунинга, пока наконец не добился успеха: изображение исчезло. Смысл этого эксперимента, как сказал Раушенберг, не в дадаистском акте разрушения, а в том, чтобы посмотреть, можно ли сделать рисунок частью его «белой серии». Работу можно рассматривать как ранний пример искусства перформанса, вдохновивший целое поколение художников 1960-х. «Белые картины» стали предтечей минимализма -
"Штрихи к "Портрету Папы Иннокентия Х" Веласкеса" Фрэнсис Бэкон
Человеческий крик стал лейтмотивом и в работах более
близкого к нам по времени экспрессиониста - великого ирландца Фрэнсиса Бэкона (1909-1992). Ни одна другая картина так не передает мучительную боль, которую Бэкон стремился изобразить на протяжении всей своей жизни, в такой степени. -
"Охра, красное на красном" Марк Ротко
Гигантское полотно, более двух метров в высоту и полутора в ширину. Такой масштаб, настаивал Ротко, не призван тешить его самолюбие, поражая помпезностью и величием, подобно выдающимся картинам прошлого; все с точностью до наоборот. Он хотел, чтобы его произведения воспринимались как "очень доверительные и человечные". -
"Флаг" Джаспер Джонс
Джонс (род.1930) написал картину не на холсте. Это пэчворк из слоев краски, наложенных на куски фанеры, из обрывков газет и холста, окрашенных в старинной технике. энкаустики, когда расплавленный воск смешивается с чистым пигментом. Сочетание разных материалов и текстурной краски создает бугристую, неровную, пузырящуюся поверхность, и этот эффект Джонс усиливает, позволяя краске стекать по полотну, как воск со свечи. Картина с явным креном в дадаизм. -
"Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?" Ричард Хэмильтон
Хэмильтон (1922-2011) из подручного материала создал цельный образ гостиной будущего. Парочку окружают атрибуты современного комфорта: телевизор, пылесос (с горничной в придачу), банка консервированной ветчины и магнитофон. Хэмильтон объяснил, что в основе его коллажа лежит история Адама и Евы, перенесенных из Эдема в новый и волнующий рай послевоенной легкой жизни. В мире красивых вещей Хэмильтона искушению НЕЛЬЗЯ сопротивляться, ваша обязанность - потреблять и баловать себя благами. -
"Монограмма" Роберт Раушенберг
Это одна из серии работ, созданных в период с 1953-го по 1964 год, где художник соединяет масляную живопись со скульптурой и коллажем: то, что он назвал "комбинациями". Раушенберг (1925-2008) говорил, что хотел бы работать "между искусством и жизнью", чтобы найти точку, где они либо встретятся, либо сольются в единое целое. -
"Однажды рано утром" Энтони Каро
Британец Энтони Каро (род. 1924) был очень впечатлен работами и советами Смита. Когда Каро вернулся из Штатов в Великобританию, он перестал делать фигуративные пластические скульптуры, чему учился у Генри Мура, работая его ассистентом. Скульптура "Однажды рано утром" --
об интимном и чувственном, она стремится пробиться к нам и
установить духовную связь самыми простыми и в то же время
универсальными средствами выражения. Ярко-красная
конструкция невероятно тяжела - и при этом кажется невесомой. -
"Посвящение Ван Гогу" Фрэнсис Бэкон
Френсис написал эту картину в дополнение к серии полотен в память о Винсенте, созданных 1956-1957 гг. Они основаны на работе Ван Гога «Художник на пути в Тараскон». Полотно погибло на войне, но для Бэкона оно стало воплощением двух важных граней творчества его художественного кумира. Одна - его экспрессионизм - стиль письма и палитра красок. Вторая же - романтический образ, которым Бэкон не мог не наделить Ван Гога: недооцененный гений, пожертвовавший всем ради искусства, одиноко шагая по миру. -
"Девятый час" Маурицио Каттелан
Представляет собой выполненную в натуральную величину восковую фигуру Папы Римского Иоанна Павла ІІ, прижатого к полу упавшим метеоритом и отчаянно вцепившегося в свой посох в поисках поддержки. Каттелан обыгрывает веру в Бога и в то, что Папа к Нему ближе, чем прочие. Но вместе с тем он задается вопросом о вере людей в искусство, которое стало формой религии в светском обществе, и ставит под сомнение нашу новообретенную веру. Его метеорит одним ударом крушит и старую, и новую веру.
